Paris DJs - Interviews (Français)

Entretien avec Wade Schuman (Hazmat Modine, version française)

Nicolas Ragonneau — Thu, 10 May 2012 12:55:00 +0200

Wade Schuman (Hazmat Modine)
(Interview de Nicolas Ragonneau, pour Paris DJs - Mai 2012)

Wade Schuman est le leader et le créateur de Hazmat Modine, un incroyable groupe de blues à deux harmonicas et huit membres au total. Ces musiciens mêlent un nombre d'influences musicales quasi infini (klezmer, soul, gypsy, New Orleans, R'n'B, musiques africaines et caribéennes) et des instruments rares pour accoucher d'un son absolument unique. Longtemps, depuis sa naissance en 1998, Hazmat Modine a été le secret le mieux gardé de la scène new-yorkaise jusqu'à la parution de leur premier album, Bahamut (Jaro Medien/Barbès Records, 2006). En 2011 Wade et sa bande ont sorti un nouveau chef-d'œuvre, Cicada (Jaro Medien/Barbès Records), qui a obtenu le prix du meilleur album de blues décerné par la prestigieuse académie Charles Cros en France. Wade Schuman n'est pas seulement un redoutable multi-instrumentiste, il est aussi professeur d'art plastique, peintre, zoologiste amateur, hédoniste professionnel et un ingénieur du son très particulier... Il évoque ici toutes ses passions alors qu'il ramène Hazmat Modine en Europe pour une tournée triomphale. Ne manquez pas le concert parisien prévu le 24 mai au Studio de l'Ermitage (avec le brass band américano-indien Red Baraat en 1ère partie) et le mix Hazmat Modine Blues & Brass songbook à venir très prochainement sur Paris DJs…

Wade Schuman (Hazmat Modine)
(Interview de Nicolas Ragonneau, pour Paris DJs - Mai 2012)

01. Je commence presque toujours mes entretiens avec un peu d'étymologie. Dis-moi d'où vient cet étrange nom de groupe, Hazmat Modine?
HAZMAT est un mot d'anglais américain forgé à partir d'Hazardous Materials. C'est-à-dire des matériaux dangereux: on aperçoit cette mention à l'arrière des camions ou sur les poubelles. MODINE est la marque d'un radiateur, le genre de radiateur d'appoint qu'on voit dans les garages, les lofts ou les ateliers d'artistes. Le siège de la marque est à Muncie dans l'Indiana... Ce sont deux mots américains, mais l'assemblage des deux est plutôt exotique. Les gens pensent souvent qu' Hazmat est un nom turc. Je trouve que Modine sonne un peu comme le nom d'un groupe de rock n'roll des années 50.

02. Tu es musicien, mais tu enseigne aussi les Beaux-Arts. Est-ce qu' à un moment tu as hésité entre ces deux vocations?
Non, pas vraiment. J'aime bien faire des choses différentes... je me sentirais mal si je ne le faisais pas... ma vie part tout le temps dans plein de directions... La vie est une expérience très riche et j'ai la chance de me passionner pour de nombreuses choses, l'art, l'enseignement, la musique, la zoologie, les sons, la natation, etc. La peinture tient une part importante dans ma vie... j'ai besoin de textures, de couleurs et une grande variété dans l'expression, toutes choses fondamentales à deux formes d'expression, l'une visuel, l'autre 'orale'... D'ailleurs, un bon enseignant est aussi un bon performer quelque part, et affronter une classe d'étudiants diplômés est aussi délicat parfois que de faire face à un public, donc ça t'aide de toutes les façons.

03. La liste des musiciens ayant joué ou jouant avec Hazmat Modine est plutôt impressionnante. Est-ce qu'Hazmat Modine est un vrai groupe ou un collectif de musiciens réunis autour de toi?
Je ne sais pas trop ce qu'est un 'vrai groupe'. Tous les groupes sont différents d'une certaine manière. Je suis toujours surpris, et on s'en rend tous compte au fur et à mesure des années, par le fait qu'il n'existe pas UN système... après 14 ans, j'ai ma propre histoire. Si tu parles d'un groupe démocratiquement constitué où chacun est impliqué dans les décisions à part égale, alors non. Je suis le leader, celui qui initie et qui s'occupe de tout cela, la production, le design et une grande partie de la promo aux USA. Je choisis les membres du groupe, les morceaux ; c'est moi qui prend le risque financier aux USA et c'est moi qui en paierai les conséquences si ça ne marche pas... Le fait qu'une personne incarne le projet est, à mon sens, une des raisons pour lesquelles c'est durable, car les groupes ont tendance à ne pas trop durer... mais Hazmat Modine est un vrai groupe et tous ses membres sont essentiels pour le son et le feeling que nous souhaitons. Et mon but est de laisser briller et de faire briller chacun. Cela fait plus de sept ans que nous tournons dans cette formation, mais Joe Daley, notre tuba, est dans le groupe depuis 14 ans! Et si le groupe sonne comme ça, il le doit à Joe à bien des égards. Mais j'aime inviter d'autres musiciens à participer à nos disques. Je suis obsédé par toute la gamme de sons et de textures qui existent. J'aime les sons inattendus et riches... (rien ne vaut le tuba… quel instrument! Un son si riche, si pur, si profond. C'est comme le café au petit matin: il me le faut ou je ne me sens pas bien). Il y a tant de couleurs sonores que je n'ai pas encore assez explorées... Le basson par exemple... quel son astucieux... la kora, certaines percussions... il y a beaucoup de sons que je souhaite incorporer un jour. Quand tu joues avec un nouveau musicien et que ça marche, c'est comme retrouver un vieil ami dont tu ne te rendais pas compte à quel point il a pu te manquer. C'est une expérience très agréable. J'ai toujours voulu un groupe avec certains sons et certains instruments... harmonicas, tuba, cuivres, guitar, toutes les textures que j'entendais dans ma tête... et New York est un endroit génial pour commencer un groupe, il y a tant de musiciens capables de jouer tant de choses... mais les musiciens que j'ai trouvé ont apporté beaucoup au groupe, sans que je sache à quel point j'avais besoin de cela, et je suis très heureux de cela! Ils apportent beaucoup d'idées et de voix originales, et aussi ce qui importe le plus, l'âme. Donc oui, Hazmat Modine est un groupe, mais qui a commencé avec une certaine vision et qui évolue par les éléments que chacun y apporte.

04. Qui a eu l'idée brillante de mêler un harmonica diatonique et un harmonica chromatique?
J'ai commencé le groupe en 1998 avec Randy Weinstein, un autre joueur d'harmonica qui n'est plus dans le groupe. On s'est rencontré à une réunion d'harmonicistes professionnels dans mon appartement à New York. Randy et moi avions beaucoup en commun sur le plan musical, je savais qu'il serait parfait pour créer un groupe. C'est un excellent musicien, capable de maîtriser bien des styles, avec beaucoup de soul... Au départ je voulais plutôt deux harmonicas diatoniques, puis j'ai réalisé que les différences de son et de texture offraient un contraste très intéressant, car ce sont vraiment deux instruments très différents... Quand Randy a quitté le groupe dix ans plus tard, j'ai fait signe à Bill Barrett, un musicien que j'ai toujours admiré, afin qu'il nous rejoigne. Par chance, il a accepté. Bill est un harmoniciste très intéressant et très dynamique. Peu d'harmonicistes chromatiques peuvent faire ce qu'il fait et personne ne sonne comme lui. C'est aussi un excellent chanteur, il apporte beaucoup au groupe. Mais pour être tout à fait honnête, l'idée d'un groupe à deux harmonicas remonte aux années 90, à Philadelphie, quand je faisais des mixes de plusieurs harmonicas sur un ghetto blaster... A cette époque, je voulais faire un groupe à 4 harmonicas... puis j'ai déménagé à New York et j'ai rencontré Randy. Mais dans les années 20, il y a avait tout un tas de groupes 'à harmonicas', et ce mouvement continue en Asie et dans d'autres parties du monde. Cela été une source d'inspiration, c'est sûr.

05. Puisqu'on parle d'harmonica, qui sont tes harmonicistes préférés?
Deford Bailey, Rythm Willie, Gwen Foster, Paul Butterfield, Jaybird Coleman, Joe Filisko, Papa Lightfoot, Howlin Wolf, Pegleg Sam, Onie Wheeler, Charles Leighton, Son of Dave...

06. La musique d'Hazmat Modine est riche et complexe, elle mêle bien des éléments de différentes traditions et cultures. C'est un cliché, mais ça ressemble à un melting-pot post-moderne...
Tu sais, Hazmat Modine est un groupe américain qui vient du blues... mais probablement pas le blues auquel la plupart des gens pensent aujourd'hui. Cela dit, la plupart des premiers bluesmen étaient très éclectiques. Par exemple sur le hit 'St. Louis Blues' de W.C. Handy, il y a une partie de tango, et les premiers Jugbands jouaient des valses et des fox trots, ils intégraient des cordes... On est une sorte d'ethno-jugband post-moderne, mais le blues EST au cœur de notre musique, c'est l'univers d'où je viens... C'est au cœur de tout ce que je fais musicalement, et c'est aussi au centre de la plupart des musiques américaines de qualité… Beaucoup de formes musicales (R&B, Rock and Roll, Latin, musique des Caraïbes, d'Afrique, d'Europe de l'Est, d'Asie, etc... ) influencent notre son, mais au fond il y a toujours le blues. Dans le blues, on trouve la tristesse, l'humour, le rythme. C'est une musique qui permet aussi de lâcher prise... c'est le plus important, lâcher prise, se laisser emporter.

07. J'ai l'impresion que tu aimes vraiment tourner en Europe. Cela ne semble jamais un pensum pour toi, mais quelque chose que tu sembles vivre intensément...
Ecoute, j'ai passé une bonne partie de mon enfance à voyager en Europe, alors j'y ai beaucoup d'amis proches. Et comme je suis aussi peintre, la culture européenne est plutôt importante pour moi. Et puis, à bien des égards les Européens apprécient davantage la musique et les arts que ne le font les Américains... En Amérique, c'est la grosse cavalerie pop qui domine le marché. En Europe, vous semblez encore capable d'apprécier la musique jouée live! En Amérique ils foutent tout le monde dehors après un concert et vous collent un DJ. C'est le DJ la star désormais... les DJs remplacent la musique jouée. Tu ne peux savoir à quels point je respecte les Européens qui payent leur place pour voir de la musique jouée. A moins qu'ils n'envisagent d'aller voir une très grosse popstar, les Américains ont perdu complètement le contact avec la culture de la musique live...

08. Les animaux (mythiques ou réels) jouent un rôle important dans la musique d'Hazmat Modine. Les titres des deux albums portent des noms d'animaux.
Nous sommes tous des animaux, n'est-ce pas? Mon premier amour, c'est la zoologie… parfois, je me dis que je devrais tout arrêter et partir pour Bornéo étudier les nasiques [singe au nez proéminent, NDR]… Presque toutes les métaphores existent dans la nature. Il n'y a rien que nous fassions qui puisse rivaliser avec ce qui existe déjà dans la nature.

09. 'Bahamut' est dans la B.O.F. du film 'Pina' de Wim Wenders. Comment ça s'est passé?
C'est grâce à notre agent, Uli Balss... Il est allemand. Et puis nous avons joué à Wuppertal, et nous sommes plutôt connus en Allemagne...

10. Certaines de tes paroles sont assez élusives et semblent chargées en sous-entendus. Est-ce un souvenir du hokum (le hokum est un blues des origines aux paroles pleines d'humour et de sous-entendus sexuels)?
C'est sûr. Le sexe prend une part importante en musique… tout ça est très physique.

11. Parle-moi un peu du Gangbé Brass Band. Comment vous êtes-vous rencontré?
C'était en Malaysie, on partageait l'affiche d'un concert. C'était à un festival, à Genting Highlands, l'un des plus grands casinos de toute l'Asie, sur la pointe d'une montagne, littéralement. Ce fut le coup de foudre musical pour moi! Du coup, on voulait enregistrer avec eux depuis des années... mais c'était difficile car ils tournaient tout le temps et nous n'étions jamais dans le même pays ou sur le même continent au même moment. Finalement, on a joué ensemble en Allemagne, à Tubingen, mais j'avais un calcul rénal! On était prêt à jouer, des centaines de personnes nous attendaient, le concert devait être filmé et enregistré et moi, je me tordais de douleur et je me roulais par terre, la bave plein les lèvres. J'ai pris trois anti-douleurs, je suis monté sur scène, j'ai donné le concert et ensuite j'ai été admis en urgence à l'hôpital pour qu'on me retire le calcul… Cependant la musique avec eux a été extraordinaire, tu ne peux pas savoir à quel point j'aime ce groupe, la vibe et l'énergie qu'ils dégagent! L'année dernière on a joué en Russie, à Kazan, devant 200 000 personnes, ça a été une sacrée expérience! Mon but est d'enregistrer un album entier avec eux. J'espère que je pourrai aller au Bénin y enregistrer ce disque… c'est une collaboration très excitante, j'aime ce groupe.

12. Sur tes disques il y aussi des sons tirés de la nature, enregistrés dans bien des endroits du globe, comme si tu incluais un carnet de voyage sonore...
Oui, c'est très important pour moi, je suis pour ainsi dire obsédé par les sons. Tu as remarqué comme les choses sont rehaussées, comme elles sonnent différemment quand on les enregistre, un peu comme les couleurs entre la peinture et la vie réelle. On ne fait plus vraiment attention aux bruits et aux sonorités comme on est bombardés sans cesse par des images et des sensations multiples. Mais quand tu sépares les sons de l'expérience visuelle, c'est incroyable… les bruits racontent des histoires, nous vivons dans un incroyable monde sonore dont nous ignorons presque tout. Tout est dans le contexte, nous pouvons ainsi injecter un peu de nos vies et de nos expériences en tournée dans nos disques, un peu comme un journal sonore... j'ai des bruits de la forêt équatoriale en Indonésie et d'insectes à Central Park, des feux d'artifices du 4 juillet sur une petite île du Maine au large des côtes américaines. Et puis un joueur d'accordéon anonyme sous un pont d'Amsterdam, enregistré sur mon téléphone portable… des chiens qui aboient à Bali et des singes à Sumatra, des messages de mon répondeur...

15. Je peux reconnaître le peintre en toi dans cet intérêt pour l'histoire naturelle et l'anatomie...
Oui, c'est comme peindre, mais avec des sons. Un jour, j'ai enregistré un martin-pêcheur sur une île du Maine pendant un orage. Il n'arrête pas de voler d'un côté puis de l'autre tout en chantant… j'ai perdu cet enregistrement et je n'ai pas cessé de le chercher. Un jour je le retrouverai. C'est l'une des plus belles choses que j'ai faites!

16. Parlons un peu de tes peintures. On dirait que tu aimes bien Jérôme Bosch et Magritte...
Magritte, je respecte, Bosch, j'adore… j'ai étudié les techniques picturales des XVIe et XVIIe siècles en Europe, mais j'aime toute la peinture occidentale à l'exception que quelques œuvres des XVIIIe et XIXe siècles...

17. Est-ce que tu peins et dessines toujours?
Oui, bien sûr! Je suis en train de travailler à une série consacrée aux Vertus... Il y a des années, j'ai fait une série sur les Sept Péchés Capitaux. Il ne s'agissait pas de l'iconographie chrétienne classique, j'atais davantage intéressé par le concept du péché. Il apparaît que la représentation des sept péchés remonte à la culture babylonienne… j'ai utilisé différents animaux comme allégories. Maintenant je vais faire la même choses avec les vertus, ce qui est beaucoup plus dur, crois-moi, car les gens sont peu intéressé par les vertus. Mais je trouve ça fascinant… par exemple, prend l'une des qualités humaines les plus sous-estimées: l'humour. C'est l'un de nos attributs les plus brillants, c'est ce qui nous préserve souvent du pire. On a tendance à dévaloriser l'humour, mais c'est peut-être notre plus grande forme artistique parce qu'il nous protège de la conscience de notre mort inexorable et imminente. L'humour modifie la perception du temps.
Pour cette série de peintures, je fais des portraits hybrides en mélangeant l'animal et l'humain. Pour l'humour, je compte faire un autoportrait en babouin, basé sur la série des portraits de bouffons réalisée par Velasquez. Je travaille aussi à un vaste polyptyque inspiré par une de mes expériences au Sri Lanka et à une série de peintures d'insectes.

18. Qu'est-ce qu'on peut attendre de la tournée 2012?
Un sacré bon groupe! Nous serons au complet (les 8 membres), on a des nouvelles chansons… j'ai co-écrit une chanson avec Pete et Michael dont je suis très content en ce moment. C'est un titre R&B, avec un son assez Stax... je suis vraiment satisfait de ce titre, c'est la chanson la plus accrocheuse que j'ai jamais écrite. On a aussi un autre morceau, entre le Mali et le blues Kentucky, nommé 'Whiskeybird'. Je n'écris pas très vite, mais c'est très excitant de travailler à de nouvelles chansons, et j'espère bien avoir un ensemble complètement nouveau cet été… On espère enfin pouvoir capter quelques titres en live pour notre prochain CD. On sera en France, en Allemagne, en République tchèque, en Italie, en Espagne, en Autriche, en Russie, au Royaume-Uni et au Canada... et on espère bien vous voir à Paris!

Links :
Hazmat Modine : official | discogs | myspace | wikipedia | youtube

Entretien avec Skerik (version française)

Nicolas Ragonneau — Thu, 12 Apr 2012 12:49:00 +0200

Skerik
(Interview par Nicolas Ragonneau, pour Paris DJs - Avril 2012)

La discographie de Skerik est à peu près aussi facile à suivre que la trace d'un tigre dans la neige fondue... ce n'est même pas la peine d'essayer, et il n'existe pas à ce jour une liste vraiment exhaustive de tout ce qu'il a pu accomplir. Né à Seattle, ce saxophoniste indomptable a joué sur plus de 100 disques et de ce point de vue, on peut seulement le comparer à John Zorn ou Mike Patton. Il partage avec ce dernier une prédilection pour l'expérimentation noisy et les facéties provoquantes. Skerik (alias Eric Walton, alias El Guzano, alias Nalgas Sin Carne) est à l'aise dans tous les genres musicaux référencés sur la planète Terre, du jazz -évidemment- à la pop psychédélique, du doom metal au post-punk, de l'avant-groove aux brass bands façon Nouvelle-orléans. Parmi ses groupes et projets, on peut citer le récent Skerik's Bandalabra (dont le très bon Live At The Royal Room vient de sortir sur le label Royal Potato Family), Skerik's Syncopated Tainted Septet, Critters Buggin', Tuatara, Garage à Trois, Ponga, Crack Sabbath, Midnite Disturbers, The Dead Kenny Gs (dont le nouvel EP Gorelick - pas vraiment recommandé pour les migraines - vient aussi de sortir chez Royal Potato Family)... sans parler de la myriade d'apparitions et de contributions studio ou live. Dès qu'un bon jam se prépare, Skerik n'est jamais loin. Il apporte son humour très particulier et son énergie unique à chacune de ses performances. L'homme de Seattle est passé maître dans l'art des effets pour déformer le son du saxophone, le rendre plus puissant comme une guitare avec plein de distortions ou un clavier vintage et groovy (il s'inscrit dans la grande tradition des saxophonics initiée par Rashaan Roland Kirk, qu'il ne cesse de pousser toujours plus loin). Plutôt culte outre-Atlantique, Skerik reste à découvrir en Europe, à Londres ou à Paris - deux capitales dans lesquelles il a vécu mais n'a jamais joué. Cela fait longtemps que Paris DJs voulait faire cette interview, qui sera accompagnée dès samedi 14 avril d'un mix exclusif consacré au grand saxophoniste.

Skerik
(Interview de Nicolas Ragonneau, pour Paris DJs - Avril 2012)

01.Est-ce que Skerik est un mot forgé en assemblant 'Scary' et 'Erik'?
Le nom qu'on m'a donné était Serge Gainsbourg, mais ma famille d'accueil ne l'aimait pas alors il l'ont changé en Skerik.

02. Le sax est ton instrument principal, mais tu joues aussi des claviers et de la batterie. Est-ce qu'il y a eu un moment où tu as dû choisir entre tous ces instruments?
J'ai été élevé dans un sous-sol sans fenêtre. On me disait régulièrement ce que je devais faire. Le sax était le seul instrument dont on m'autorisait à jouer jusqu'à ce que qu'on vienne me délivrer.

03.On dirait que Skerik a deux visages. Le premier est un sax traditionnel avec un son jazz "classique". Le second est sauvage, free et assez démoniaque. Tu te retrouves dans cette vision manichéenne?
Il est important de s'embrouiller et d'embrouiller les autres aussi souvent que possible. La diversité fait tout le sel de l'existence.

04. Tu as joué sur plus de 100 disques, tu es impliqué dans de nombreux projets. Tous sont un peu tes enfants... tu arrives à leur donner la même affection?
Oui! je ne les revisite pas très souvent, mais quand un truc comme Critters Buggin se pointe, je me sens en forme. Je suis content que nous puissions le faire. On va enregistrer de nouveaux titres ce printemps.

05. Comme tu es dans plein de projets, tu rencontres beaucoup de gens. En fait, tu es un animal très sociable!
Oui, je pense que c'est vrai. Mon père est chasseur de têtes, alors c'est dans mes veines. J'aime collaborer avec autant de personnes que possible, c'est ma Sorbonne à moi!

06. Qu'est-ce que le punk ou être punk aujourd'hui? Qu'est-ce que ça signifie pour toi sur le plan idéologique et musical?
Nous sommes influencés par le punk-rock des Dead Kennedy's, Minutemen, Mike Watt, Bad Brains, Sun City Girls etc., alors on cherche quelque chose qui soit aussi puissant sur le plan musical que sur le plan politique et social. On ne voit pas trop ça aujourd'hui, mais des comiques comme Chris Rock, Patton Oswalt, David Cross, Jon Stewart, Stephen Colbert (qui doivent tous quelque chose au grand Bill Hicks) se sont emparés de la critique social, et ce sont eux qui nous inspirent désormais.

07. Je n'aimerais pas être ton assistant ou la personne qui s'occupe de ton agenda. Comment tu trouves l'énergie pour faire tout ça? Y a-t-il un secret ou un mode de vie particuliers derrière tout ça?
Si je ne mets pas tout ce que je dois faire sur papier, je suis foutu. C'est aussi simple que cela en fait, il suffit de l'écrire dans le calendrier. Mon énergie est dictée par la survie, si je ne bosse pas, ma fille n'a rien à manger, et j'aime travailler. Mais je ne suis pas riche, tous les mois c'est dur et je vis chichement!

08. Parlons un peu de ta contribution aux saxophonics. Avec toi, le sax est devenu une guitare avec plein de distortions, un claviers groovy et noisy...
La nécessité est mère de l'invention. Je devais sonner fort quand je jouais avec certains groupes de rock. Les effets m'ont permis d'arriver à ça. Donc j'ai étudié les effets comme j'aurais bosser n'importe quel autre élément. J'ai appris beaucoup de gens géniaux, des ingés son, etc. Pareil pour le son de claviers ou autres, parfois je veux jouer une partie rythmique qui n'envahit pas tout. Je veux sonner comme Keefus Ciancia et Bernie Worrell, comme Eddie Harris et Albert Ayler!

09. Tu crois qu'on peut encore inventer de nouveaux sons au saxophone?
Les possibilités acoustiques de l'instrument n'ont pas encore été épuisées. Rashaan Roland Kirk a ouvert une voie, maintenant Colin Stetson réussit quelque chose de différent et de génial avec la respiration circulaire, j'ai hâte de voir ce qu'il va faire dans les mois à venir.

10. Tu as vécu en Europe, à Paris et à Londres. Qu'est-ce que tu as retenu de cette expérience?
Ecoute, un des enseignements majeurs et non recherchés de ce voyage m'a permis de comprendre d'où je venais. J'ai vu les USA d'une façon totalement différente. J'ai appris beaucoup. Il y a évidemment de nouvelles cultures que tu découvres. J'ai eu la chance immense de pouvoir travailler avec des musiciens africains en Europe, et je continue à apprendre de cette expérience!

11. Est-ce que les musiciens africains ont influencé directement la musique que tu fais?
Beaucoup, j'ai bâti tout un vocabulaire rythmique à partir de ces expériences. Le rythme est sans limites, et on l'utilise en le combinant avec d'autres idées. C'est vraiment ce que j'essaie de faire avec mon nouveau groupe BANDALABRA.

12. Justement, parle-nous un peu de ce projet.
Bandalabra est centré sur le rythme, et plus spécialement les rythmes dansants ou liés à la danse. J'essaie de construire un vocabulaire pour le saxophone que je pourrais utiliser comme un un instrument rythmique aussi bien que mélodique.

13. Il y a aussi le nouveau Dead Kenny Gs, un disque plutôt surprenant et très différents des albums précédents.
C'est un disque plus brut, on voulait un son plus garage/punk. Je joue de la guitare bien lourde sur un morceau, il ya beaucoup de parties chantés, un truc de fous. Ce sont des morceaux qu'on jouait seulement live, alors c'est bien de les avoir enregistrées désormais.

14. L'été dernier, tu as joué quelques concerts avec Adam Deitch et John Medeski. Un disque est prévu. Qu'est-ce qu'on peut en attendre? Last summer you played with Adam Deitch and John Medeski. An album comes soon. What can we expect?
On ne saviat pas trop ce qu'on voulait faire, alors on a commencé à jouer en studio et c'est venu comme ça et on lui a donné le nom de 'dark wave'. Je pense que ça va vraiment être trippy, mais fondé sur de gros beats. On commence la post-production ces jours-ci.

15. Ton dernier mot?
Écoutez John Coltrane, Jimi Hendrix, Dead Kennedy's, Mr. Bungle, Rahsaan Roland Kirk, Messiaen, Grisey, Eyvind Kang.

Liens :
Skerik : official | bandcamp | discogs | facebook | myspace | parisdjs | soundcloud | twitter | wikipedia | youtube
Skerik's Bandalabra (new record 'Live At The Royal Room' dropped marched 13 on Royal Potato Family records) : facebook | kickstarter | myspace | ragman | soundcloud
The Dead Kenny G's : official | facebook | myspace
Garage à Trois : official |archive | facebook | myspace | parisdjs | soundcloud | wikipedia

Mile Marker: Garage A Trois by StealThisTrack

Beast Crusher | Skerik's Bandalabra by Royal Potato Family

Charlie Don't Like It | Skerik's Bandalabra by Royal Potato Family

Entretien avec Matthew Halsall et Nat Birchall (Gondwana Records)

Nicolas Ragonneau — Sat, 10 Mar 2012 15:03:00 +0100

Matthew Halsall & Nat Birchall
(Interview by Nicolas Ragonneau, for Paris DJs - March 2012)

Nat Birchall, saxophone. Matthew Halsall, trompette. Deux amis réunis par une seule et même passion pour le jazz modal, et une quête de la Beauté. Une amitié unique qui dépasse la différence d'âge, et le genre d'histoire qui n'arrive que dans l'art ou la musique. Nat joue du sax depuis plus de trente ans (du reggae d'abord, puis du jazz) et pourrait être le père de Matt - lui qui n'a pas 30 ans et qui a commencé la trompette à 6 ans. ensemble, ils écrivent une des plus brillantes pages de l'histoire du jazz contemporain en Grande-Bretagne. Matt dirige Gondwana Records, un label indépendant qui publie sa musique et celle de Nat Birchall. Nat vient de publier son nouvel album, Sacred Dimension, tandis que Matthew a reçu le prix de l'album jazz de l'année pour On The Go (2011) aux Gilles Peterson’s Worldwide Awards 2012. Nous avons interviewé les deux compères séparément avec des questions identiques, sans que l'un ne connaisse les réponses de l'autre, et il est frappant de voir à quel point leurs esthétiques convergent. Enfin Matthew Halsall, qui est aussi DJ à ses heures, a concocté un superbe mix exclusif (à télécharger ici) réunissant la musique des deux complices.

Matthew Halsall & Nat Birchall
(Interview by Nicolas Ragonneau, for Paris DJs - March 2012)

01. Gondwana nous ramène aux origines supposées du monde. Qu'est-ce que ce mot évoque pour toi?
Matthew Halsall : C'est un nom que j'ai trouvé par ma mère. Elle avait un magasin de meubles nommé Gondwana, lequel importait des pièces venues du monde entier. J'aimais beaucoup ce nom et sa signification, alors quand le magasin a fermé j'ai décidé de le conserver.
J'aime aussi le fait que Miles Davis ait réalisé un album qui s'appelle Pangaea dans lequel un des titres est 'Gondwana', même si il ne s'agit pas de la période de Miles que je préfère.
Nat Birchall : Gondwana est le label de Matt, bien sûr, alors c'est lui qui a trouvé ce nom. Je pense que c'est une belle trouvaille, car pour moi il a à la fois des connotations préhistoriques et évoque les fondations du monde tel que nous le connaissons. Ainsi, il entre en résonance avec un terrain solide où construire, et qui aurait aussi de profondes racines dans le passé. Et comme chacun sait, nous avons besoin de ces éléments pour créer. Donc c'est un mot très bien choisi je trouve, qui ‘sonne’ et il n'y a rien de tel que la musique des mots. Cependant, seul le temps nous dira s’il va se séparer en plusieurs continents.

02. Quelle est ta définition personnelle du 'jazz spirituel'?
MH : Selon moi le jazz spirituel est une musique de l’âme, sincère, et qui réunit des instruments, des musiciens et des influences venues du monde entier. Il a souvent une couleur orientale qui le rend assez magique, méditatif et rêveur.
NB : C'est une question délicate! Pour moi, l'adjectif spirituel appliqué à la musique revêt plusieurs significations. La première, c'est que la musique doit 'avoir de l'esprit', ce qui est plutôt difficile à apprécier. Tu peux rencontrer une musique avec de l'esprit et qui soit pleine d'énergie, mais elle ne sera pas forcément spirituelle. Donc c'est une façon de jouer où tu te livres sans retenue (ton 'ego'), où tout ton être se met au service de la musique. Quand cela se passe comme ça, c'est comme si tu ne décidais rien de ce qui sort de ton instrument, la musique te vient en quelque sorte de régions supérieures. Ce que sont ces 'régions supérieures', nul ne le sait : certains l'appellent Dieu, d'autres un 'esprit', d'autres encore 'l'Inconscient', etc., etc. Mais peu importe le nom qu'on veuille lui donner, il faut juste le laisser te dicter ce qui doit sortir.
Et il y a bien sûr un genre de jazz qui porte ce nom, et tout le monde n'est pas d'accord sur ce qu’il recouvre (comme le terme jazz d'ailleurs!), mais je ne vois pas trop ce qu'il a à voir avec des formes harmoniques, mélodiques ou d'instrumentation, bien que ces éléments soient plus fréquents dans ce genre précis.

03. Vous souvenez-vous de votre rencontre et de la première fois où vous avez joué ensemble?
MH : Je me souviens d'avoir demandé à mon ami Bernard Moss s’il connaissait un joueur de saxophone dans la lignée de Coltrane, et il m'a conseillé Nat. alors je suis allé l'écouter au Matt & Phreds Jazz Club in Manchester. Je me rappelle l'avoir vu reprendre 'Journey in Satchidananda', qui est l'un de mes morceaux préférés d’Alice Coltrane. Après le concert je suis allé me présenter et je lui ai demandé s’il voulait faire quelques concerts avec mon groupe. Il a dit oui, et ce fut aussi simple que cela!
NB : Matt et moi avons des amis communs. Certains d'entre eux m'avaient parlé de la musique de Matt, mais je ne la connaissais pas. Je crois qu'il m'a contacté par myspace pour me demander de jouer avec lui. Il m'a envoyé de la musique, et j'ai aimé immédiatement. J'étais tellement heureux qu'enfin il y ait quelqu'un d'autre, quelqu'un qui ne vive pas à 1000 miles de chez moi, qui aime la même musique que moi... je me suis toujours battu pour trouver des gens qui aiment jouer la même musique que moi, mais Matt à réussi ça! En plus, toute sa musiques est modale. J'ai toujours voulu jouer de la musique modale mais les musiciens, surtout les pianistes et les guitaristes, aiment jouer de la musique pleine de changements d'accords. Alors, après peut-être deux morceaux en modal ils pleurent pour jouer un standard avec des changements d'accord! Bref, j'ai fait le concert avec Matt et on s'est trouvés immédiatement, nos sons se sont parfaitement accordés. Son groupe était fantastique, alors je me suis éclaté!

04. À Matt : nomme une qualité que tu envies à Nat.
MH : Nat a une grande connaissance et une grande compréhension de la musique. Il collectionne les disques depuis plus de trente ans, sa discothèque personnelle est incroyable. Il est aussi très sage et il m'a aidé à prendre d'importantes décisions ces dernières années.
À Nat : nomme une qualité que tu envies à Matt.
NB : Je ne sais pas si 'envier' est le mot, mais j'admire son aptitude à savoir très précisément ce qu'il veut pour sa musique et aussi comment il doit y parvenir.

05. À Matt : trois adjectifs pour décrire le style musical de Nat.
À Nat : trois adjectifs pour décrire le style de Matt.
NB: Écoute, je dirais que le style de Matt est sincère. Il ne joue que ce qui doit être joué, ou ne dit que ce qui doit être dit si tu préfères, chacune des notes qu'il joue a du sens. J'utiliserais aussi le mot 'beauté'. Je pense vraiment qu'en tant qu'artistes créateurs (un titre bien pompeux mais je n'en trouve pas d'autre tout de suite), nous devons nous évertuer à créer de la beauté, et tout le reste est négatif à mon sens. Bien sûr, notre vision de ce qu'est la beauté peut être très différente des autres, mais pour moi la musique de Matt est vraiment belle. Et je dirais aussi que sa façon de jouer et le son qu'il créé est 'vocal', cette musique vous 'parle' littéralement. Ce son a un qualité proche de la voix qui est la marque de la musique la plus authentique selon moi.

06. Qu'est-ce que tu penses pouvoir améliorer dans ta technique?
MH : J'essaie toujours d'améliorer mon jeu. Je pense beaucoup de temps à travailler mon ton, ma fluidité et ma portée. Mon but est d'être capable d'interpréter immédiatement chaque idée qui me vient à l'esprit.
Il y a tant de choses que je dois améliorer dans ma technique! Par où commencer? Je suis toujours à l'écoute du son (et du ton) que j'obtiens.
NB : Parfois, je trouve que cela pourrait être plus fort, parfois que cela pourrait être plus beau, que cela pourrait avoir davantage de contours, davantage de corps, davantage de profondeur, etc., etc. Je pense que mon articulation (la façon dont tu attaques chaque note) pourrait être meilleure, de même que le phrasé et la fluidité! Tant de choses, on pourrait continuer comme ça pendant des heures... Mais comme tout peut toujours être amélioré, j'essaie de m'améliorer peu à peu chaque jour.

07. Tu vis loin du bruit et de la fureur de Londres. Est-ce que la nature et les paysages qui t’entourent influencent ta façon de faire de la musique?
MH : Je vis à 10 minutes du centre de Manchester et la campagne n'est pas très éloignée de chez moi. Je vis ici car j'y ai beaucoup d'amis et de la famille, et j'ai passé pas mal d'années à bâtir des relations avec des musiciens et des professionnels de la musique. Je n'ai que 2h15 de train pour aller à Londres, donc je n'ai pas vraiment besoin d'y vivre.
Je ne suis pas sûr que je ferai une musique différente si je vivais ailleurs. Pour moi, composer c'est échapper à la réalité et aux pressions de l'existence. Ce n'est pas important de vivre ici ou là du moment que j'ai ma trompette et un piano pour composer.
NB : Ce sont des choses que quelques personnes ont remarqué, dans mon cas au moins. C'est vrai que je vis dans la région des Hills avec un très belle (bien que lugubre parfois) campagne environnante. Je viens de la campagne, alors je me sens chez moi ici. En général j'aime la nature et cela m'apaise, tout particulièrement cette région. Mais je ne pense pas que cela se soit manifesté dans ma musique jusqu'à ce que les gens me le fassent remarquer, alors peut-être que c'est vrai. Dans tous les cas être ici m'aide certainement, cela me permet de garder les idées claires et de me concentrer davantage sur la musique. Les gens disent qu'ils peuvent entendre les collines et voir les paysage lorsqu'ils écoutent ma musique et c'est sans doute vrai, comme moi-même j'imagine des choses et des paysages quand j'écoute une musique qui m'émeut, donc je pense que c'est une bonne chose. Ou peut-être qu'ils savent que je vis ici et que du coup il m'associe à ces paysages, je ne sais pas...

08. Certains de tes morceaux sont vraiment composés comme de la poésie, avec des vers, des formes et des structures récurrentes, mais ils racontent aussi une histoire.
MH : Oui, chaque morceau est comme un voyage musical. Mes compositions ont tendance à commencer avec un thème principal que les musiciens peuvent investir, puis j'aime qu'il puisse y avoir des solos afin que chacun puisse exprimer ses émotions et ses sentiments dans la musique.
NB : Je pense que toute musique qui se respecte raconte une histoire, sans mots bien sûr, mais elle doit sonner comme une narration ou une chanson. Alors effectivement j'espère que c'est bien le cas!

09. Est-ce que la musique de chambre et la musique médiévale comptent pour toi?
MH : J'ai écouté pas mal de musique classique toutes ces années, dont de la musique de chambre, donc j'imagine qu'elle a un effet sur ma musique. Je compose presque tous mes morceaux au piano, et j'ai été très influencé par l'œuvre de Satie et celle de Ravel pour piano solo.
NB : Je ne connais pas vraiment la musique de chambre, mais j'aime la musique médiévale. Je ne dirai pas qu'elle m'a vraiment influencé parce que je n'en ai pas beaucoup écouté, mais j'apprécie vraiment. Il y a des morceaux de reggae dont les ligne de cuivres sonnent comme de la musique médiévale à mes oreilles!

10. À Matt : ton morceau préféré de Nat Birchall.
MH : 'Higher Regions', j'aime l'association de la kora, de la harpe, du sax soprano, du piano, de la contrebasse, de la batterie et des percussions.
À Nat : ton morceau préféré signé Matt Halsall.
NB : mon morceau de Matt préféré? Il y a des choses que Matt a enregistrées mais qu'il n'a pas encore sorties, qui valent sans doute bien des albums. Mon morceau favori pourrait bien être 'Loving Kindness', mais il y en a tant d'autres comme celle-ci, sans compter qu'il n'a sans doute pas encore sorti les meilleures!

11. Parle-moi de ta collection de vinyles.
MH : les vinyles m'ont toujours fasciné. Mes parents avaient une grande collection de folk, de rock n'roll, de blues et de soul des années 60. Je me souviens également qu'ils avaient une platine Bang & Olufsen qui ressemblait à un truc sorti d'un vaisseau spatial. Je me souviens que je fouillais dans tous les disques et que je regardais à l'intérieur des pochettes pour lire les notes qui s'y trouvaient. Je pense que mon addiction a commencé là. En vieillissant, j'ai commencé à dénicher des disques nouveaux et intéressants. J'écoutais beaucoup les DJs à la radio. L'émission de Gilles Peterson 'Worldwide' sur BBC 1 m'a beaucoup marqué toutes ces années, et cela reste une de mes émissions préférées. Grâce à lui, j'ai découvert plein d'artistes (Yusef Lateef, The Cinematic Orchestra, Matthew Herbert, A Tribe Called Quest, Art Blakey, Fela Kuti et tant d'autres...). J'enregistrais ses émissions sur cassette, puis j'allais acheter les albums vinyles sur lesquels il y avait mes morceaux préférés.
Un autre DJ qui a beaucoup compté pour moi est Mr. Scruff. J'aime aller à ses soirées 'Keep It Unreal' à Manchester, en fait c'est là où j'ai entndu pour la première fois le morceau de Pharoah Sanders 'You've Got To Have Freedom' et aussi 'Water No Get Enemy' de Fela Kuti. Ma collection de disques s'étend sans cesse. Je dirais qu'elle comprend surtout du jazz, de la soul, du funk, de l'afrobeat, du reggae, du hip-hop et de l'électro
NB : ma collection de disques?! Par quoi je commence? J’ai commencé à acheter des disques en 1972, donc ça fait maintenant 40 ans! J’ai vraiment démarré quand je me suis mis au reggae un peu plus tard cette année-là. Ensuite j’ai acheté des disques chaque semaine jusqu’en 78 je crois. Malheureusement, j’ai vendu ma grande collection de reggae il y a 25 ans pour m’acheter un sax soprano afin de jouer dans le groupe d’un batteur turc. Mais depuis j’en ai acquis beaucoup d’autres et je continue à en acheter régulièrement. Mais mon vieux, j’aimerais bien posséder encore ces disques! Je me suis mis au jazz en 1979 quand j’ai commencé à jouer du sax. J’avais déjà acheté quelques disques de John Coltrane (‘Blue Train’ est le premier disque de jazz que j’ai acquis) et de Charlie Parker, mais quand j’ai commencé le sax j’ai vraiment cherché à découvrir autant de jazz que possible. A cette époque, il n’y avait pas d’internet et la seule façon de pouvoir écouter un disque, c’était de l’acheter! J’allais souvent à Paris dans les années 80 et j’en rapportais toujours plein de disques! J’allais dans des magasins de St-Michel comme Rive Gauche Musique, Crocodisc et d’autres dont j’ai oublié le nom désormais!
Certains de mes disques préférés sont les disques de reggae que j’ai depuis les années 70, des LP comme ‘Flesh Of My Skin’ de Keith Hudson, ‘Grounation’ et ‘Tales Of Mozambique’ de Count Ossie, sans parler de United Africa de Cedric Brooks, qui est peut-être la pochette de disque que je préfère! Il ya aussi des 45 tours comme ‘Black up’ de Karl Bryan et Count Ossie, ‘Black Is Black’, ‘Mun-Dun-GU’ d’Im et David. Côté jazz, ‘Afro Blue Impressions’ de Coltrane est un LP que j’ai usé jusqu’à la corde. Ce n’est pas un disque rare, mais la meilleure version de ‘My Favourite Things’ y figure, vraiment une musique incroyable. Le LP de Clifford Jordan ‘Glass Bead Games’ est aussi un des disques que j’ai le plus écoutés sans jamais arriver à m’en lasser. Nous avons joué un extrait de ce disque, ‘Biskit’ dans le tout premier concert jazz que j’ai donné, alors c’est un disque vraiment spécial pour moi! Enfin, deux disques avec mon sax ténor préféré après Coltrane, John Gilmore : le premier, ‘Turkish Woman At The Bath’ de Pete LaRoca, et le second ‘From In to Out’ du trompettiste jamaïcain Dizzy Reece (enregistré live à Paris!).

12. Quel job voudrais-tu faire dans une autre vie?
MH : Le même que maintenant, je l’adore!
NB : Mais tu sais, c’est maintenant mon ‘autre vie’. Ou plutôt je dirais que mon autre vie est derrière moi, j’étais un bourgeon, sur un arbre! C’était il y a longtemps, et jamais je n’aurai imaginé que je ferai un jour le type de musique que j’avais tant écouté. Même si c’était ce que je voulais faire, je n’ai pas été élevé dans l’idée que tout est possible quand on le veut vraiment. C’est par la musique que j’ai compris que tout est vraiment possible dans l’existence.

13. Dans quel animal voudrais-tu te réincarner?
MH : Ce serait un animal inoffensif, si possible végétarien et paresseux, peut-être un koala ou un paresseux justement. Sinon, un chat.
NB : Tu as de sacrées questions! je pense que j’aimerais être un chat, mais un chat sauvage vivant dans les Hills! je n’aime pas me presser, j’aime faire les choses à mon rythme, tranquillement et de façon paisible.

14. Qu’est-ce qu’on peut attendre de toi dans les semaines qui viennent?
MH : Pas mal de concerts au Royaume-Uni et en Europe. Je bosse sur mon nouvel album qui devrait sortir cette année. Je souhaite faire grandir Gondwana Records également, avec deux nouvelles signatures en cours pour le label.
NB : Qui sait ce qui va arriver? J’essaie de m’améliorer en tout – la musique, le son, la technique. J’aimerais sortir un nouvel album tous les ans jusqu’à ce que je quitte cette planète. Je voudrais faire des disques toujours meilleurs, afin de laisser quelque chose à mes enfants quand je rejoindrai l’Arkestra Céleste!

Links:
Matthew Halsall : official | discogs | facebook | myspace | soundcloud | twitter
Nat Birchall : official | discogs | facebook | myspace | soundcloud | twitter
Gondwana Records : official | discogs | facebook | flickr | myspace | parisdjs | twitter | youtube

Higher Regions (unreleased outtake) by nat birchall

A Prayer For... by nat birchall

Entretien avec Mr. Chop (Coz Littler, french version)

Nicolas Ragonneau — Thu, 01 Mar 2012 13:14:00 +0100

Mr. Chop
(Interview de Nicolas Ragonneau pour Paris DJs - Mars 2012)

Ceux qui nous suivent connaissent forcément la musique de Mr Chop (alias Coz Littler), car nous l'avons découvert dès la première heure avec quelques singles, puis son fantastique EP 'Sounds From The Cave' (Jazz & Milk, 2008). L'année dernière, l'impressionnant 'Switched On' s'est classé parmi les 10 meilleurs disques de 2011 pour l'équipe de Paris DJs. Comme il le dit lui-même, Mr. Chop "dispense un mélange de synthés rétrofuturistes et cinématiques, de funk psychédélique, de jazz et de musique concrète". Dans son studio vintage à côté de Liverpool, tel un savant fou dans son laboratoire, ce multi-instrumentiste sculpte patiemment et inlassablement des sons cosmiques, liquides, des breaks et des beats inouïs. L'alchimiste Mr. Chop appartient à une généalogie prestigieuse qui s'étend de Raymond Scott, Dick Hyman, Gershon Kingsley, Pierre Henry, Jean-Jacques Perrey à Bernie Worrell, Money Mark, DJ Shadow et bien d'autres excentriques noisy et groovy. Qu'il reprenne Jimmy Smith, un titre reggae sur Switched On ou la musique de Pete Rock (For Pete's Sake), Mr. Chop transforme à peu près tout ce qu'il touche en authentiques morceaux se confondant avec ses propres compositions. Nous avons réalisé cet entretien alors que Mr. Chop peaufine son prochain album, prévu avant la fin de l'année chez Now-Again. Il évoque ici sa passion pour l'analogique et les vinyles, Malcolm Catto, les demi-dieux du Moog et son prochain disque. Et comme un bonheur n'arrive jamais seul, le Paris DJs Soundsystem a préparé un mix spécial Mr. Chop, à venir samedi 3 mars et pour lequel il a composé deux titres exclusifs !

Mr. Chop
(Interview de Nicolas Ragonneau pour Paris DJs - Mars 2012)

01. On connaît ta musique, mais on ignore presque tout de ta biographie.
Mon vrai nom est Coz Littler et je suis Mr. Chop pour mes disques chez Now-Again. Je suis le propriétaire et le gérant d'Ape Studios, un studio d'enregistrement vintage dans le nord-ouest de l'Angleterre, à côté de Liverpool. Je suis un grand malade de vinyles et de techhniques analogiques, que je mélange en une seule et même obsession. J'aime les disques ésotériques, l'illustration sonore, les B.O.F. bizarres. Plus c'est psychédélique, mieux c'est. Les disques qui m'inspirent le plus sont 'La Planète Sauvage' d'Alain Goraguer, 'L'enfant Assassin des Mouches' de Jean-Claude Vannier, presque tout Can, Kraftwerk et le Velvet Underground. Les vieilles radios, les ordinateurs parlants et les chambres d'écho me rendent heureux.

02. Quelle a été ta formation musicale?
J'ai passé un an aux conservatoire, mais ça ne m'a pas beaucoup inspiré. Ma vraie culture musicale vient de différentes sources. Mon père me faisait écouter plein de trucs différents quand j'étais jeune: les Beatles, la Motown, la Stax, de la Northern Soul, plein de disques psychédéliques, les premiers Pink Floyd, le Velvet Underground, du prog rock ou du classique, etc. Ce fut un terrain très fertile pour un jeune homme et cela m'a permis de rester ouvert à toutes les cultures et tous les genres musicaux. Quand j'ai découvert le hip-hop, ça a changé beaucoup de choses pour moi, parce que je voulais savoir d'où venaient tous ces samples. Du coup, je me suis mis à rechercher et à collectionner des disques. J'ai passé la majeure partie de ma vie à absorber à peu près tout, du funk le plus brut de James Brown and the JBs, aux B.O.F obscures et ésotériques et à l'illustration sonore, des trucs aussi étranges que The Feedback Band, etc. Ce fut une grande exploration, qui continue jour après jour. Je suis un multi-instrumentiste autodidacte, mais je ne suis pas un fantastique musicien. Je ne joue pas particulièrement bien d'un instrument, mais il semblerait que je sois capable de faire de la musique avec à peu près tout ce qui me tombe sous la main… Maintenant que j'ai dit ça, pas sûr que tu me prennes dans ton groupe...

03.D'où vient ce nom, Mr. Chop (littéralement 'Monsieur coupe')?
C'est un nom dont m'a affublé un ami qui est arrivé au milieu d'une session, alors que je faisais, sous Pro Tools, un nombre d'edits délirants sur un morceau… 'Chop' résume assez bien la façon dont je fais de la musique, alors ce surnom vient vraiment de là…

04. Quelques semaines avant l'interview, tu me disais que 'Switched On' avait été un album très difficile à réaliser.
Les morceaux originaux que nous avons choisis pour le disque sont des classiques, ils sonnent si bien que c'était tout simplement très dur de leur rendre justice. Je ne suis pas sûr que nous ayons réussi d'ailleurs, mais au moins à Paris DJs vous avez aimé ce disque… je me suis beaucoup amusé à le faire, mais je pense que je pourrais l'améliorer si je le refaisais.

05. Qu'est-ce que tu as voulu faire avec 'Switched On'?
Le concept était le suivant: on était un groupe des années 70, à l'époque où tous les premiers disques d'hommage au Moog sortaient, nous avions juste un aperçu de ce qu'était le futur et on voyageait dans le passé en ayant une conscience très légère de cette évolution musicale future. Une fois qu'on avait cela à l'esprit, on a enregistré seulement avec du matos des années 60-70: un max d'équipement vintage, des magnétos à bandes… On a seulement triché en utilisant Pro Tools pour le montage et des drums pads qu'on a achetés au magasin d'électronique Maplin's Geeky. On les a fixés à la batterie pour actionner un synthé modulaire. Mais dans l'ensemble je cherchais à faire un disque percutant, organique avec beaucoup de synthés analogiques différents et une batterie qui déchire.

06. Est-ce que le titre 'Switched On' est un clin d'œil aux disques de Walter/Wendy Carlos au Moog?
C'est un coup de chapeau à tous les disques de synthé de cette époque, aux morceaux que j'aime comme 'Get It Up Turn It Loose' de Dick Hyman et 'Hey Hey' de Gershon Kingsley. Tout le monde alors faisait un disque pour montrer les possibilités des synthés Moog. Je n'écoute pas la plupart de ces disque que j'ai pu dénicher, mais il y a toujours quelques perles dans ces reprises de musique classique au Moog.

07. Le Moog est très important dans ta musique.
Pas seulement le Moog, mais tous les synthés analogiques de cette époque - une vraie obsession chez moi. Le monde des synthétiseurs modulaires et analogiques me fascine, pas seulement pour leurs sons, mais aussi pour leurs possibilités quasi infinies.

08. Quels sont les dieux du Moog dans ton panthéon?
J'ai une vraie admiration pour des musiciens comme Raymond Scott, comme ceux du BBC Radiophonic Workshop ou comme les compositeurs de musique concrète pour leur façon d'expérimenter la musique électronique avant l'invention du synthé moderne tel que nous le connaissons. Parmi mes héros ès musiques électroniques il y a Kraftwerk, Popol Vuh, Klaus Schulze, Pierre Henry, Giorgio Moroder, Brian Eno et Delia Derbyshire… J'aime ce que François de Roubaix et Piero Umiliani ont fait avec le EMS VCS3 [un des synthés mythiques du début des années 70, NDLR].

09. Tu es proche des Heliocentrics. On peut imaginer un projet Mr. Chop / The Heliocentrics sur disque un jour?
Une collaboration est possible, mais nous travaillons de façon plutôt différente. J'ai tendance à travailler seul et à produire/sculpter les sons au fur et à mesure, tandis que ces gars sont vraiment des musiciens de scène avec une vraie approche de groupe. Je pourrais par exemple imaginer faire quelque chose avec des morceaux qu'ils ont enregistré dans mon studio, ce serait marrant. Malcolm Catto et moi avons discuté d'un projet ensemble. Quand il est venu faire la batterie pour mon nouveau disque on a en quelque sorte pris date. C'est quelque chose que je voudrais voir avancer...

10. Parle-moi un peu de ton studio, Ape, et de ta collection d'instruments.
Ape Studio est le laboratoire dans lequel je conçois tous les disques de Chop. Autrefois c'était un simple studio pour les amateurs de vintage, mais aujourd'hui il ne sert presque plus qu'à moi-même et aux groupes qui viennent enregistrer ici parce qu'ils aiment bien ce que je fais. Pour les enregistrements j'ai une prédilection pour les vieilles machines à bandes comme les Ampex ou les Studers, mais je préfère le digital pour les édits, c'est plus souple. J'utilise de grosses réverbérations à plaques, des échos à bande et j'ai une affection toute particulière pour les synthétiseurs analogiques. Mon synthé au quotidien est le EMS VCS3, il a été fabriqué par Putney London et a été utilisé dans d'innombrables et mémorables disques. J'enregistre tout en live sur une grosse et vieille console Neumann et Helios des années 60 avec des micros d'époque. Côté instruments, j'ai plein de vieilles batteries, par exemple des Ludwig et des Slingerland. Pour les claviers: orgue Hammond, Mellotron, Minimoog, Solina, Clavinet et un synthé modulaire Digisound. Sans parler des pédales d'effet et des batteries...

11. Quels sont les disques enregistrés dans ton studio dont tu es le plus fier?
Le prochain Chop, sur lequel je travaille, est de loin le disque dont je suis le plus fier. C'est difficile d'isoler un projet en particulier, car ils ont tous leur histoire. Si je ne devais garder qu'un moment, je choisirai mes séances avec Phill Brown. Il a enregistré Sly Stone, Harry Nillson, Led Zep, Bob Marley & The Wailers, Brian Eno, etc.

13. Tu peux évoquer tes futurs projets?
Je suis en train de finir le prochain album de Mr. Chop pour Now-Again, et c'est la seule chose sur laquelle je puisse me concentrer en ce moment, c'est le disque le plus difficile et le plus exaltant que j'ai jamais fait. J'espère pouvoir le sortir avant l'échéance du calendrier maya…

14. Tu me rappelles un autre artiste Jazzman/Now-Again, Miles Newbold du Natural Yogurt Band. Comme toi, il possède un studio analogique rempli d'instruments. Comme toi, il est multi instrumentalisme et il fait une musique qui réunit library, jazz et hip-hop instrumental. Comme toi, il est plutôt discret.
Je connais le Natural Yogurt Band, Egon m'a envoyé leurs disques, c'est excellent. Bien que je ne connaisse pas Miles personnellement, nous semblons avoir des points communs. Peut-être devrions-nous nous rencontrer…

Quelques bonnes tranches de Mr.Chop
En supplément à l'interview, nous avons demandé à Mr.Chop de commenter des titres qu'il aime et des morceaux de ses albums.

Gershon Kingsley - Hey Hey (From 'Music to Moog', 1969).
C'est fantastique. J'ai acheté ce disque à Jazzman Gerald (pour un prix sans doute trop élevé) il y a 12 ans environ. Quelle quantité de Moog modular tu peux entasser en deux minutes? Beaucoup Apparemment. Merci Gershon, you are the man… Intro génial, rythme infernal de film de super-héros à épée magique !!! Mega Moog modular-tastic.

Issac Hayes - Breakthrough (From truck Turner Soundtrack, 1974).
Putain, qu'est-ce qu'on peut dire là-dessus? Guitares fuzz, batterie au cordeau, Fender Rhodes super funky, production et guitares solo parfaits. Bon Dieu! Où est ma meuf?

Mr.Chop - Caveman (From Sounds From the Cave, 2008).
Des robots et des hommes des cavernes, je devrais revenir en arrière et faire un autre disque dans ce genre, je me suis beaucoup amusé à le faire…

Mr.Chop - Greedy G (From 'Switched On', 2011).
Le monstre bien connu de 'Switched On'. Je suis plutôt satisfait de celui-ci. Il sonne bien en fond sonore alors que je bois ma tasse de thé. Quoi? Je suis anglais, for 'Pete's sake'!

Mr.Chop - Mecca and the soul brother (From 'For Pete's Sake', 2009).
Hmmm ! parfois tu regardes derrière toi et tu réalises que tu aurais pu faire bien mieux, comme sur ce morceau…

MRR-ADM - Untitled One.
Peut-être la batterie la plus puissante jamais entendue? Tu veux un combat de rue? Je m'en tiendrais à un bon vieux bras de fer si t'es d'accord.

The Beastie Boys - Off The Grid (From 'The Mix-Up', 2007).
J'aime beaucoup les les Beastie, même si je préfère 'The In Sound From Way Out', c'est davantage low-fi et ça sonne à mes oreilles, mais ça reste bien cool et il y a des morceaux qui assurent. En plus c'est toujours un plaisir de voir Money Mark se pointer derrière les claviers...

Broadcast - Pendulum (from 'Haha Sound', 2003).
Incroyable morceau. J'aime ce groupe, ces mecs sont géniaux, plus personne ne fat ce genre de musique. Ce fut une vraie tragédie… tu nous manques Trish, bye… [la chanteuse de Brodcast, Trish Keenan, est morte d'une pneumonie en 2011, NDLR].

Links:
Mr Chop : apestudios | discogs | facebook | myspace | parisdjs | twitter
Now-Again : official | discogs | facebook | myspace | parisdjs | twitter | youtube

Interview d'Adam Scrimshire (french version)

Nicolas Ragonneau — Thu, 09 Feb 2012 12:38:00 +0100

Adam Scrimshire
(Interview de Nicolas Ragonneau pour Paris DJs - Février 2012)

Peut-être que le nom de Scrimshire ne vous dit rien... Non, non, Scrimshire n'est pas le nom d'un comté anglais inconnu, mais celui d'un jeune multi-instrumentiste né il y a un peu plus de trente ans dans la ville de Rugby, Angleterre. Adam Scrimshire a sorti son premier disque en 2009 ('Along Came The Devil One Night, Wah Wah 45s) et Paris DJs avait salué à l'époque ses débuts prometteurs. Un cliché tenace dit qu'un second album est toujours casse-gueule, mais Scrimshire à contourné brillamment ce soi-disant obstacle avec son nouvel album The Hollow (toujours chez Wah Wah 45s). Dès la pochette, son illustration, sa typographie classieuse, on comprend qu'on a affaire à un homme soucieux de la qualité et du moindre détail, pour la fabrication de son disque comme pour sa musique. L'album s'ouvre avec A Promise Is All It Was, un titre où Scrimshire se transforme en one-man-band virtuel puisqu'il chante et joue de tous les instruments. A l'autre bout du disque et son morceau éponyme, il s'évapore littéralement puisqu'il laisse à la seule et géniale harpiste Rachael Gladwin (entendue souvent chez Matt Halsall et Nat Birchall) le soin de clore l'ensemble. Elle trace un émouvant et saisissant épilogue à The Hollow, dont le titre (le creux) sonne comme une métaphore de la disparition et du souvenir. C'est l'une des surprises de cette oeuvre subtile et multiple où se mêlent folk, jazz spirituel, afrobeat, musique malienne, soul et electronica rêveuse sans jamais perdre le fil ténu de son projet d'origine. Mi-instrumental, mi-chanté, le disque accueille les voix de Heidi Vogel (qui n'a jamais sonné aussi Nina Simone que sur son morceau), Stac et Faye Houston. Cette fusion délicate plaira forcément aux fans de The Cinematic Orchestra, Nostalgia 77 ou José James. Adam nous raconte comment il a conçu The Hollow et, en tant que co-dirigeant du label Wah Wah 45s, il évoque l'actualité de sa maison de disque et l'industrie de la musique dans dans son ensemble.

Adam Scrimshire
(Interview de Nicolas Ragonneau pour Paris DJs - Février 2012)

01. Tu as sorti récemment 'The Hollow', un album très calme et paisible avec un superbe casting. Parle-nous de tes intentions pour ce disque.
Au départ je souhaitais faire quelque chose de moins léché que 'Along came the Devil'. Je savais que ce disque devrait être plus sombre et plus introverti et je souhaitais aussi qu'il soit plus proche de la musique quand j'étais plus jeune. Une musique plus électronique et cinématique.
Je voulais aussi que ce soit plus simple à de nombreux égards. Moins de solos, un peu moins jazz, davantage de soul et de groove avec des éléments distincts. Alors je me suis acheté une batterie, j'ai emprunté une basse, ajouté des micros et commencé à enregistrer un album qui serait fait à la maison dans son intégralité et, pour la plupart, joué par moi. Très sentimental, tout ça...

Scrimshire - The Hollow by WahWah45s

02. Tu écris dans les notes de pochette que ce disque 'est un voyage dans le temps, au plus près de la musique que tu as commencé à faire quand tu étais jeune'. N'est-ce pas un peu étrange cette relation au passé pour un homme aussi jeune que toi?
Haha! A l'âge de 15 ans j'ai décidé que je serais un musicien et 18 ans plus tard je réalise enfin ce rêve. J'ai l'impression que j'ai commencé à assembler des séquences sur mon Amiga, dans ma chambre, il y a des siècles... j'avais des dizaines d'idées nouvelles chaque semaine.

03. A propos, quelle était la musique que tu écoutais à cette époque?
Je dirais Herbie Hancock, Jamiroquai, Genesis, Phil Collins, Galliano, Portishead, Bjork, Stevie Wonder, Isaac Hayes, Burt Bacharach et Paul Weller.

04. La façon dont est mixé l'album suggère qu'il doit être écouté d'une seule traite.
Oui, bien sûr! et tu remarqueras que l'album est long mais pas trop pour permettre cela. Je reste attaché à l'idée de l'album, l'album en tant qu'expérience à vivre. A la fin je disais à l'ingénieur du son 'pim, pam, poum! faut que ça avance. Pas de pause!'. Stevie assemble toujours ses morceaux de façon très proche et j'apprécie aussi cette façon de voir les choses.

05. Etrangement, tous les musiciens présents sur le disque ne sont pas crédités. Par exemple, qui joue avec toi sur "A promise is all it was"?
Personne. Il n'y a que moi à la batterie, à la guitare, à la basse, au piano, aux percussions, au chant. Tout a été joué réellement, sauf les sons de Mellotron, faits au synthé. Il n'y a que très peu d'invités sur le disque, et je l'ai enregistré peu ou prou tout seul. Quand il y a des invités, ils sont crédités. Il faut que je te dise quand même que je ne fais pas ça pour épater la galerie. C'est simplement comme cela que j'aime travailler.

06. The Hollow présente de nombreuses couleurs et textures, bien que ce soit un disque homogène et compact. Il évoque une partition en noir et blanc ou une calligraphie avec ses pleins et ses déliés..
Merci, je trouve que c'est une façon charmante de le décrire. J'essaie de ne pas trop réfléchir à cette forme d'homogénéisation, mais à partir du moment où la vision d'ensemble est suffisamment forte je pense que tu peux te permettre des choses très diverses. Et parfois il faut seulement respirer à fond et être courageux. Comme un morceau de cinq minutes à la harpe pour finir. Je sentais que c'était la bonne décision.

07. J'ai le sentiment qu'il y a une sorte de renaissance du jazz anglais, portée par des artistes jeunes et prometteurs. Avec toi, on peut citer Matt Halsall, Nat Birchall, Greg Foat, The Portico Quartet, Ben Lamdin, Rachael Gladwin, Hackney Colliery Band, Richard Spaven...
Je serais très honoré d'être cité aux côtés de ces personnes. Ce sont de vrais héros dans la scène jazz britannique. Je pense particulièrement à Matt Halsall, dont le jazz est un des meilleurs entendus ces cinquante dernières années. C'est délicat mais avec l'énergie qu'il faut, dans le respect de l'histoire mais avec une vraie personnalité... Je me sens un peu désemparé au milieu de ces noms. Mais une fois qu'on a dit ça, ce sont des gens adorables et je suis très fier d'avoir pu en côtoyer certains.

08. Qules sont tes batteurs préférés sur la scène actuelle?
Hmmmm... J'ai eu la chance il y a deux ans de jouer plusieurs concerts avec un un batteur italien, Francesco Mendolia. Il joue avec Incognito, parmi tant d'autres, et je dois avouer que c'est un pied total de partager la scène avec lui. Je travaille en ce moment ma tournée avec un batteur français génial, Benji Bouton. Mais il est impossible de ne pas citer Chris Dave. Il a vraiment inventé quelque chose de nouveau.

09. Parlons un peu de Wah Wah 45s. Quel est ton job au label?
Je suis l'un des trois dirigeants et propriétaires du label. Je fais un peu de tout. Au quotidien, ça se passe avec Dom Servini et des jeunes vraiment top qui nous ont rejoints récemment. On fait tout: DJs, A&R, promoteur, agent, le marketing et tout le reste. Mes compétences spécifiques sont les données et l'e-marketing. Dom est un excellent promoteur et il a un don pour organiser des événements, entre autres talents.

10. Quelle est la philosophie du label?
L'écriture est reine. Les modes sonores vont et viennent, mais les grandes compositions sont éternelles. La musique jouée en concert est essentielle: on organise jusqu'à 3 concerts par mois à Londres et on aime vraiment le live. On soutient nos artistes, on leur apporte l'affection et l'attention dont ils ont besoin. On cherche le public susceptible d'aimer leur musique et on tente d'instaurer une relation durable entre eux.

11. La plupart de vos albums physiques ont un prix public très raisonnable (de 6 à 10£ ; environ 11 euros en Europe). Alors que les revenus de la musique digitale progressent, est-ce que tu penses que les disques physiques sont trop cher? Si tel est le cas, quel devrait être le prix idéal?
Nous estimons que 8 à 10 livres sterling pour un CD est un maximum. On préfère constituer une fan base plus importante pour nos artistes plutôt que de gratter sur la vente au détail. Même si évidemment ion essaie trouver le bon équilibre entre ces deux paramètres.

12. Est-ce que tu penses que si les labels avaient imposé une politique de bas prix pour le physique les choses auraient pu être différentes?
Je pense que les majors ont commis beaucoup d'erreurs ces 20 dernières années et pour être honnête ça n'a pas l'air de vouloir s'arranger de sitôt. Mais pour être honnête, je ne pense pas que les labels auraient pu changer quoi que ce soit, Napster ou pas. Il y aura toujours quelqu'un pour proposer de la musique gratuite. Depuis la naissance des médias inscriptibles, la donne est là. Alors adaptons-nous et changeons.

13. Est-ce que tu penses qu'il y a un avenir pour le CD (le vinyl est une autre histoire à mon avis)?
Le CD est proche de la porte de sortie. Le vinyl va poursuivre son come-back et d'autre formes de diffusion physiques de la musique (avec des habits, posters, affiches, etc.) vont sans doute marcher. Depuis que les disquaires des grandes artères (CD variety - HMV etc.) ont disparu, il semble que la diffusion de la musique sous sa forme la plus pratique et uniformisée (le CD) soit de moins en moins évidente. La musique sur le cloud est en train de progresser d'une façon assez surprenante.

14. J'ai vu le calendrier de l'avent Wah Wah 45s que vous avez créé à Noël et aussi la pochette interactive de The Hollow sur ton site. On sent que l'équipe de Wah Wah est très créative aussi côté promo...
Les gens sont sollicités de bien des manières. Nous avons besoin d'atteindre une audience aussi large que possible, alors c'est ce que j'essaie de faire. Et j'estime que la créativité doit être aussi bien dans l'artistique que dans le marketing ou le commercial, cela maintient ton enthousiasme. Pour The Hollow, il y a des images, des lieux qui suscitent bien des choses et que je souhaite partager. En plus je suis un vrai geek, alors si je vois un truc comme ThingLink (l'outil que j'ai utilisé pour le calendrier et la pochette intercative), j'ai envie de l'utiliser pour voir ce qu'on peut en faire.

15. Benedic Lamdin (Nostalgia 77) est impliqué dans plusieurs projets du label.
Ben enregistre dans un studio fantastique, Fishmarket, à l'ouest de Londres — une vraie mine d'or. Ainsi, quand nous avons des projets qui nécessitent un studio on va dans son studio et on demande toujours à Ben s'il veut superviser la session. On a enregistré Stac chez lui et aussi Hackney Colliery Band. J'ai enregistré mon morceau avec HCB pendant leurs sessions, et c'est la raison pour laquelle Ben est aussi sur ce disque.

16. Qu'est-ce que Wah Wah 45s nous prépare pour 2012?
Des albums fantastiques de Part-Time Heroes et des Resonators, et une artiste géniale qu'on vient de signer, Bev Lee Harling. Des nouveaux disques de Stac et des Colman Brothers vers la fin de l'année. Deux nouveaux artistes seront également signés officiellement sur le label, et puis on sera présent à des festivals, il y aura de nouvelles vidéos. Une année studieuse qui devrait aussi voir certains d'entre nous jouer en France également.

17. Un ou une jeune artiste à nous conseiller?
Un seul, c'est trop difficile.
Si tu n'as pas encore entendu Tanya Auclair, ta vie va bientôt devenir meilleure. A suivre aussi: Paper Tiger, très fort en live, avec pas mal de très bonne choses en préparation. Enfin, Laura J Martin, elle vaut vraiment le coup.

Liens:
Scrimshire: official | bandcamp | discogs | facebook | parisdjs | soundcloud | twitter | vimeo | youtube
Wah Wah 45s: official | bandcamp | discogs | facebook | myspace | parisdjs | soundcloud | twitter | youtube

Scrimshire - Home feat. Faye Houston (Single) by WahWah45s

Interview de Miles Newbold / The Natural Yogurt Band (french version)

Nicolas Ragonneau — Thu, 26 Jan 2012 12:39:00 +0100

Miles Newbold / The Natural Yogurt Band
(Interview réalisée par Nicolas Ragonneau - mai 2011)

Interviewer un membre du Natural Yogurt Band ressemble à la quête du Graal ou de la pierre philosophale. Difficile et obsédant. La comparaison s’arrête ici, car finalement, j’ai réussi.
Tout a commencé il y a trois ans. J’étais à la discothèque municipale en bas de chez moi, je discutais avec mon ami Gérald André, batteur du groupe garage The Norvins. "Nicolas, tu devrais écouter ça. C’est excellent et je pense que ça devrait te plaire" me dit-il tout en sortant un CD des bacs. Sur la pochette du disque, on voyait deux hommes habillés comme Sherlock holmes et le Dr Watson sur une photographie noir et blanc de style victorien. The Natural Yogurt Band était le nom du groupe et Away with Melancholy le titre de l’album (Jazzman Records), lequel était rangé dans la section acid-jazz.

Rentré chez moi, je m’installai pour écouter cette trouvaille. Dès le premier morceau je fus hypnotisé par cette étrange musique. Elle était indescriptible, même si elle me rappelait confusément les albums instrumentaux des Beastie Boys pour le groove venu d’ailleurs, Perrey & Kingsley pour l’humour et d’obscurs génériques de TV ou de films entendus dans mon enfance (comme le Chapi Chapo de François de Roubaix, par exemple). Il n’y avait pas un mot au sujet des musiciens sur la pochette du disque. Je me souviens que j’avais essayé de trouver des informations sur le groupe, mais n’avais glané que quelques miettes. J’avais cependant appris qu’en fait de groupe il s’agissait d’un duo basé à Nottingham et composé de l’ancien batteur de Little Barrie, Wayne Fullwood (qui tient aussi la basse) et de Miles Newbold (claviers, vibraphone, flutes, kalimba et tous les autres instruments présents sur le disque). Away With Melancholy a tourné sur ma platine sans discontinuer depuis sa sortie et c’est devenu un de mes albums culte. Je surveillais fréquemment le web en quête de nouvelles, mais il ne se passait pas grand-chose, si ce n’est la réédition de cet album agrémenté de titres bonus sur le label californien Now-Again.

Puis, en février dernier, le deuxième album (Tuck In With…) est sorti, sans faire de bruit. Il est aussi bon et étrange que son prédécesseur. Cela faisait longtemps que je voulais faire une interview de Miles ou de Wayne, mais j’attendais que l’occasion se présente. Alors j’ai envoyé un mail à Now-Again, et on m’a répondu qu’il fallait que je m’adresse à Gerald Short de Jazzman Records. J’ai écrit quelques messages à Gerald, restés sans réponse. Je suis retourné en vain à Now-Again. Il n’ y aurait donc pas d’entretien… j’avais vraiment perdu la foi et je commençais à penser que le NYB n’était qu’un canular ourdi par Jazzman, avec l’aide du batteur Malcolm Catto et de a href="http://www.parisdjs.com/index.php/tag/DJ%20Format">DJ Format (ils disaient avoir beaucoup aimé le disque sur plusieurs sites). Un canular dans l’esprit du Marvin Pontiac de John Lurie… Pourquoi aurais-je réussi là où les autres avaient échoué? Mais, comme dans La Lettre Volée d’Edgar Poe, la solution de l’énigme se trouvait devant moi, en évidence : sur la pochette du dernier album, on indiquait que le disque avait été enregistré dans un studio de Nottingham, The Chicken Shack. J’ai envoyé un ultime message au studio et, quelques jours plus tard je recevais un mail: "Bonjour, c’est Miles. En quoi puis-je vous aider?". Et voici donc l’une des seules interviewes que Miles ait jamais accordée, accompagné d'un mix réalisé spécialement pour Paris DJs.

Miles Newbold / The Natural Yogurt Band
(Interview réalisée par Nicolas Ragonneau - mai 2011)

01. On te connaît très mal en dehors de ta musique. Est-ce que tu peux te présenter brièvement?
Mon nom est Miles Newbold, et je suis le propriétaire d’un studio nommé le "Chicken Shack" à Nottingham, où je vis. Des groupes viennent enregistrer ou répéter au studio. Quant à moi, je donne des cours de piano et de Hammond. J’ai toujours été dans la musique : j’aime autant en jouer que l’enregistrer, alors le studio est mon environnement naturel et préféré.
Quand j’étais petit, il y a avait tout le temps de la musique à la maison, du jazz au folk et tout ce qu’il y a entre les deux. Dans ma collection de vinyles, on trouve aussi bien du stride jazz, du gospel, de la musique de programmes TV et de films que du jazz et du hip-hop.

02. Comment as-tu rencontré Wayne Fullwood?
J’ai rencontré Miles quand nous avons joué ensemble dans le groupe Little Barrie. Bien qu’on ne se souvenait plus vraiment l’un de l’autre (sans doute trop d’alcool), on s’est retrouvé deux ans plus tard et je lui ai demandé: "ça te dirait qu’on fasse un peu de musique ensemble?". Il m’a dit: "ouais, pourquoi pas?". Alors on est allé dans mon studio, on s’est vraiment bien marrés et c’est comme ça que le premier album est né. À ce sujet, j’en profite pour signaler que les titres sur "Away With Melancholy" ne correspondent pas au bons morceaux!!! Je ne sais pas trop ce qui s’est passé, mais tout le tracklisting est faux! Je vais bientôt mettre le bon tracklisting sur mon site (thechickenshackstudio.com).

03. Est-ce que vous aviez une idée précise du type de musiques que vous vouliez faire sous le nom de Natural Yogurt Band?
Non, pas vraiment. Je suis plutôt jazz, musiques de TV et de films, tandis que Wayne est plus sur la soul. La plupart des morceaux du NYB ont été conçus comme ça, sans plan ou structure préalables. On improvisait, ce qui est vraiment mon truc d’ailleurs.
On voulait tous les deux que ça sonne funky, c’était déjà un bon point de départ! Mais l’improvisation et la liberté étaient aussi des éléments importants.

04. Au fait, d’où vient ce nom étrange, The Natural Yogurt Band?
C’est un nom qui m’est passé par la tête. Ça ne signifie rien, peut-être qu’inconsciemment je l’ai choisi parce que c’est marrant et volontairement stupide.

05. Quelle musique écoutais-tu pendant ton adolescence?
Quand j’étais enfant, on écoutait beaucoup de jazz à la maison, puis j’ai commencé à écouter du hip-hop au tout début du genre grâce aux disques de mes frères. Des trucs comme GrandMaster Flash, des compils d’électro.Puis j’ai commencé à acheter des disques avec juste des samples et des breaks sur lesquels je pouvais rapper ou beatboxer. De façon amusante la plupart des disques que je possède aujourd’hui sont les originaux des samples que j’écoutais alors. Ainsi, d’une certaine façon la boucle est bouclée.

06. Quel est ton instrument favori?
C’est une question difficile : le piano, le Hammond ou peut-être bien le Moog… ah non, le sipsi (une sorte de clarinette turque, NDR) ou la flûte! Tout dépend de ce que tu veux faire, par exemple il y a des choses qui sonnent bien au piano. Si tu veux jouer du piano stride, le piano est parfait, mais essaie de faire la même chose au Hammond, et ça ne marchera pas. Tout ça représente un défi pour moi!

07. Tu joues du kalimba sur tes disques, c’est assez peu commun.
Pas si tu vis en Afrique. Oui, "le piano à pouces" (l’autre nom du kalimba), j’en ai un certain nombre, tous différents.

08. Parle-moi un peu des claviers que tu utilises sur les albums.
Au studio, j’en ai tellement qu’on ne peut les nommer tous! les claviers habituels, mais aussi une large gamme d’instruments vintage. Je crois que je dois avoir environ 10 Hammond désormais! Ce sont des instruments que je possède depuis très longtemps.

09. Wayne et toi vous jouez de beaucoup d’instruments sur les deux albums. Est-ce que vous jouez live ou avez une tournée en prévision? Avec quelle type de formation?
Oui, Wayne joue de la basse et de la batterie. Je joue de tous les autres instruments, et j’enregistre le tout. Ça nous met dans une position délicate pour jouer live : on ne peut pas jouer de 10 instruments en même temps! En fait on n’a jamais eu l’intention de faire des concerts, on voulait juste s’amuser en studio, et il semblerait que tout ça a plu.
Gilles Peterson nous a invités à jouer aux Worldwide Awards l’année dernière. J’ai commencé à réfléchir à monter un groupe, puis en fin de compte j’ai décidé d’abandonner l’idée et de rester ainsi, de conserver la "mystique" de l’ensemble, telle quelle. C’est à peu près la même chose pour les interviews radio. On a fait l’émission de Jonny Trunk sur resonance FM, et j’ai bien aimé! Jonny est un mec bien, et il est très intéressant. Il nous a mis très à l’aise.
La plupart du temps, j’ai ne fais pas d’interviews parce que je suis trop occupé au studio et aussi parce que je veux garder un peu de cette magie dont je parlais en ne nous dévoilant pas trop.
C’est marrant parce que je ne vois pas trop à quoi sert tout le tralala de la promo… j’ai toujours fait de la musique ainsi, j’ai des kilomètres de musique sur bandes qui ne font rien d’autre que prendre la poussière. J’ai acheté un ordinateur il y a un an seulement ; je ne suis pas sur internet très souvent. Peut-être que je ne suis pas totalement au fait de l’accueil qu’on a réservé à nos disques ; des amis me disent ainsi qu’on en parle sur le web et qu’ils font sensation.
Je ne réfléchis pas trop à ce que j’ai déjà fait, j’aime bien me projeter plutôt sur le prochain truc, comme mon nouveau groupe The Sign Of Four, dont l’album a été commencé avant ceux du NYB! Maintenant, j’en ai deux qui sont prêts. Je commencerai à bosser sur mon nouveau projet entre deux enregistrements pour d’autres groupes.

10. Votre musique est pleine d’énergie, étrange et plutôt hypnotique, il y a aussi pas mal d’humour.
Ha ha! étrange et hypnotique . c’est un chouette compliment, je trouve! Je mets pas mal d’ironie dans la musique et c’est vrai, j’injecte un peu d’humour parfois. Je ne peux pas m’en empêcher. Peut-être aussi que je m’amuse tellement en jouant que cela transparaît dans la musique.

11. Votre musique est quasi inclassable. Quelles sont les influences derrière les deux albums du NYB?
Je pense que les musiques de la TV italienne et française ont été une grande influence sur moi. Gianni Mazza a fait de grandes choses dans le passé et je ne peux omettre Galt McDermott, qui a un style si particulier. Je ne tente pas d’imiter qui que ce soit mais je fais juste ce que j’estime fonctionner pour tel ou tel morceau précis.

12. Sur le dernier album, il y a des morceaux très courts appelés "biscuits", comme des croquis ou la promesse d’un truc plus gros à venir (un gâteau?).
J’en reviens à mes disques de scratches, de beats et autres "disques de DJ" dont je parlais plus haut. Sur ces disques, en face B, il y avait des sons avec lesquels tu pouvais jouer. J’ai toujours aimé cette idée d’instrumentaux à utiliser pour faire d’autres choses. Tous ces biscuits viennent de morceaux du NYB… on verra si tu peux les reconnaître! amusant, non?

13. Comment choisis-tu les titres des morceaux?
C’est ce qu’il y a de plus dur… sérieusement! les noms apparaissent quand les morceaux sont finis.

14. Sur la pochette du premier album, Wayne et toi vous êtes déguisés sur la pochette comme Sherlock Holmes et le Dr. Watson. Ton autre groupe s’appelle The Sign of Four (titre d’un roman de Conan Doyle). Vous êtes fans de Conan Doyle?
Ha Ha! oui, bien sûr. On s’est dit que ce serait amusant. Je suis un grand fan de Conan Doyle, plus personne n’écrit comme lui aujourd’hui. Et je suis aussi fan des films avec Jeremy Brett. C’était le meilleur Sherlock Holmes à l’écran!
The Sign of Four est mon autre groupe. J’ai deux albums du Sign Of Four dans la boîte, ainsi que bien d’autres trucs que j’ai fait il y a des lustres…

15. il y a une histoire amusante qui circule et qui dit que vous aviez envoyé une simple demo, sans un mot, à Jazzman Gerald (de JAZZMAN records), ce qui est devenu le premier album du Natural Yogurt Band.
Oui, cette histoire est vraie. Quand on a fait le premier album, les bandes sont restées au studio pendant un moment, avec tout le reste. Après on s’est dit : "si on l’envoyait à Gerald de Jazzman Records, histoire de voir si ça lui plaît"? c’est ce qu’on a fait, et ensuite il nous a téléphoné pour nous dire qu’il allait le publier. Je n’en revenais pas.

16. Tu peux nous conseiller quelques groupes peu connus que tu aimes bien?
Euh, oui, les Soundcarriers, un groupe que j’enregistre en ce moment au studio. Et aussi The Simonsound avec lesquels je souhaiterais faire quelque chose. Ce serait intéressant, je pense.

17. Parle-moi un peu de ton studio.
C’est un studio avec une technologie et des méthodes anciennes, parce que c’est comme ça que j’ai toujours travaillé. En fait il y a deux studios, l’un qui fait 225 m2, qui tourne peu, et l’autre, environ 1300 m2, aussi grand qu’un hangar d’avion! en plus il y a des annexes pour entreposer et aussi des chambres qu’on peut louer quand on veut enregistrer. Les groupes viennent répéter ou enregistrer ici. J’enseigne le piano et le Hammond, je produis et j’enregistre.

18. Qu’est-ce que tu fais quand tu ne travailles pas au studio?
Je pense beaucoup au studio et à la manière dont je peux l’améliorer. C’est toujours un souci dans ce genre de métier indépendant, alors ça mobilise tout le temps mon cerveau! La musique et les sons roulent en permanence dans mon petit cerveau!

Entretien réalisé par Nicolas Ragonneau. Première publication sur le site Musiques Impures en mai 2011.

Liens :
Téléchargement gratuit du Natural Yogurt Mix sur Paris DJs
The Natural Yogurt Band : discogs | myspace | nowagainrecords | facebook | youtube | parisdjs | thechickenshackstudio

Entretien avec Will Bernard

Nicolas Ragonneau — Thu, 19 Jan 2012 17:50:00 +0100

Will Bernard
(Interview par Nicolas Ragonneau pour Paris Djs, janvier 2012)

Le guitariste Will Bernard vient de publier un nouvel album fameux (Outdoor Living, lire la chronique ici). Il s'ajoute à une impeccable discographie où se côtoient le jazz (Stanton Moore Trio), le reggae (Rockamovya) ou... le musette (Baguette Quartette), et dont le dénominateur commun est un fantastique sens du groove. Will Bernard s'inscrit, tout en trouvant sa propre couleur, dans une prestigieuse lignée de guitaristes soul-jazz comme Grant Green. Ce Californien pur jus (né à Berkeley) a quitté San Francisco pour New York. Il évoque ici cette nouvelle aventure sur la Côte Est, son style de guitare, son goût pour le répertoire populaire français et ses futurs projets.

Will Bernard
(Interview par Nicolas Ragonneau pour Paris Djs, janvier 2012)

01. Tu as quitté la Californie pour t'installer à New York récemment.
Cela faisait un moment que je voulais m'y installer. J'ai toujours eu des affinités avec la scène new-yorkaise et c'est une musique qui m'a influencé. Par exemple j'ai toujours admiré la scène qui gravite autour de la Knitting Factory, mais aussi le reste de la scène traditionnelle. Bien sûr, il y a beaucoup de choses que j'aime dans la musique de la scène californienne. Cela peut paraître un peu cliché, mais on dit que la scène californienne est plus cool, alors que la scène new-yorkaise est plus angulaire et intense. Je pense qu'il y a du vrai dans cette affirmation. J'ai beaucoup d'amis de la Bay Area (San Francisco) qui sont venus s'installer à NYC et qui ont emporté avec eux cette façon californienne de faire de la musique.

02. Ton nouvel album s'appelle 'Outdoor Living' (littéralement 'la vie au grand air'). Il y a aussi sur le disque un titre nommé 'Nature Walk'. Est-ce de l'ironie alors que tu vis dans une des plus grandes villes du monde?
Je pense que ça l'est. Quand j'étais petit, nous avions un cours où nous allions dans les bois pour identifier toutes sortes de plantes et d'animaux. Cette expérience a fait forte impression sur moi. J'ai tant aimé cela que j'aurais pu en faire une carrière. Je pense que ce que j'ai apprécié dans tout cela, c'est que tu vis plus fort et plus pleinement en prêtant attention aux détails. Nous nous agitons la plupart du temps sans vraiment prêter attention aux choses. J'aime faire des promenades 'nature' dans la ville à la John Cage, à l'affût du moindre son comme si j'étais dans un film ou un morceau de musique électro.

03. Avec 'Outdoor Living' tu reviens à la formule du trio.
J'utilise le trio pour différentes raisons. La première raison est sans doute économique. C'est difficile de gagner de l'argent en tournant avec davantage de musiciens à notre époque. Je trouve qu'un trio avec orgue permet d'avoir un gros son qui puisse s'adapter aussi bien à une salle importante, à une discothèque ou à un petit club de jazz. Je sais que j'ai Wil Blades et Simon Lott sous la main quand j'ai besoin d'eux et il y a une très bonne alchimie entre nous.

04. Ton jeu de guitare n'a jamais été aussi dépouillé et concis.
C'est conscient et volontaire de ma part. Pour les deux derniers CD, j'ai beaucoup écouté Grant Green et ce type de guitaristes qui jouent pas mal de notes linéaires sans liaisons ni courbes. En quelque sorte cela s'est ajouté à mon style. Sur 'Outdoor Living' j'ai choisi une approche plus mélodique, je trouve. Il y a deux morceaux qui ne présentent pas de solos en tant que tel.

05. Tu es souvent comparé à Grant Green ou à Wes Montgomery. Qu'en dis-tu?
Ils font partie de mes guitaristes préférés. Particulièrement Wes, qui appose sa marque particulière à tout ce qu'il touche. Grant Green aussi a une grande influence sur moi, surtout quand on parle de revival soul et de Boogaloo. C'est celui que tout le monde tente d'imiter quand on cherche ce genre de son.
Mais pour moi Wes est sans équivalent... il avait atteint un niveau de génie. Tous ses morceaux et ses arrangements sont si bien ciselés, si concis. Cela vaut vraiment le coup de les étudier.

06. L'orgue Hammond B3 semble être un compagnon idéal pour ta guitare. Cet orgue est sur la plupart de tes disques.
Le Hammond est présent sur 5 de mes 6 disques. Le tout dernier est le seul qui ne comporte que du Hammond, et tous les autres comportent aussi d'autres claviers.
Le disque avec Medeski présente 5 ou 6 claviers différents. J'aime beaucoup les vieux claviers.

07. Tu laisses beaucoup d'espace aux autres musiciens sur tes disques.
J'ai toujours aimé lorsque les musiciens communiquent et jouent vraiment entre eux. Je me vois davantage comme membre d'un groupe plutôt que comme un soIiste accompagné par un groupe.
Je cherche des musiciens qui peuvent interagir de la sorte. C'est sans doute pourquoi je suis attiré par la musique et le funk de la Nouvelle-Orléans. On est davantage sur des textures polyphoniques que sur l'accompagnement et la mélodie. J'aime la musique africaine pour la même raison.

08. Quels étaient tes héros lorsque tu étais adolescent?
J'étais une vraie éponge à cette époque. J'ai grandi dans la baie de San Francisco, j'avais toute une palette à ma disposition... Led Zeppelin, et tous les classiques du rock. Au quotidien, voilà ce que j'écoutais: Art Ensemble of Chicago, Anthony Braxton, Sly Stone, P Funk, Al Green, Herbie Hancock, Weather Report, Thelonious Monk... la plupart des guitaristes... Jimmy Raney, Joe Pass Wes, Captain Beefheart, Tom Waits, Harry Partch, Bela Bartok, Varese, George Russell, Miles, Trane, Talking Heads, Zappa, Stevie Wonder, Charles Ives. Je n'avais pas forcément les goûts d'un adolescent de cette époque.

09. Y aura-t-il une suite à Rockamovya?
Je l'espère. C'était une expérience très féconde de jouer avec Leroy Horsemouth Wallace. C'est vraiment quelque chose. Son sens du rythme est tel que j'arrive presque à me mettre dans un état de transe.
J'ai joué avec lui et Groundation sur la tournée d'hommage à Bob Marley et j'aime tant jouer avec lui que j'ai poussé les mecs à aller en studio et à enregistrer. On a posé les fondamentaux de cet album en deux jours.

10. Tu connais bien le répertoire de la musique française populaire. Parle-moi de ta collaboration au groupe Baguette Quartette.
Je suis francophile depuis mes cours de français au lycée. J'ai toujours été fan de la culture française, j'ai d'ailleurs vécu à Paris 4 ou 5 mois. Quand on m'a demandé si je voulais jouer avec Baguette Quartette en 2000, ça tombait bien. Baguette Quartette est un groupe de la Bay Area qui ne joue que la musique française de l'entre-deux guerres et des années 40. C'était vraiment instructif de s'intégrer à ce groupe. Ils ont une philosophie assez particulière, ils vivent à Berkeley en Californie et ils jouent en acoustique. Ils ne cherchent pas à être signés sur un label, ils ne cherchent pas le succès international, une présence dans les charts ou je ne sais quoi encore. Ils sont très appréciés dans la région de San Francisco et ils ont vendus des milliers de CD par eux-mêmes à leurs concerts. C'est une philosophie très 'retour aux sources' que j'apprécie. Cela rejoint la problématique de certains mouvements qui privilégient la proximité plutôt que le succès à grande échelle.

11. Quelle est ta chanson préférée du répertoire français?
Je ne sais pas quelle est ma chanson préférée, mais sur les CD de Baguette Quartette où je joue on a fait une chanson de Cocteau que j'aime beaucoup, nommée "Mes Sœurs, N'aimez pas les Marins". Et aussi "Fétiche", une valse musette, et une autre, "En Douce". J'aime également les chansons de Trénet, comme "Que reste-t-il de nos amours?" et les chansons de Mistinguette. Il y a tant de perles.

12. Une question pour les malades de la guitare. Combien en as-tu? Quelles sont tes préférées?
Je dois en avoir une quinzaine environ... je ne les ai pas comptées récemment. J'aime les guitares vintage. Ces temps-ci je joue sur une Gibson es 335, une Starfire III, et une Gibson es 175. Pour le musette, je joue sur une Anouman D'ell Arte.

13. Tu as joué sur le dernier Tom Waits. Parle-moi de cette expérience.
C'était évidemment génial. Il a toujours été un dieu pour moi. Le fait d'avoir joué avec lui a vraiment changé la façon dont j'envisage la musique, et cela me donne vraiment envie de me concentrer sur ce qui est essentiel pour moi.

14. Quels sont tes projets?
J'ai travaillé sur des projets ici à New York, lesquels semblent évoluer de façon naturelle. L'un est un groupe du nom de "Baker's Dozen": on interprète la musique du guitariste Mickey Baker (qui vit à Paris, m'a-t-on dit). Un autre est un trio avec orgue, avec Adam Scone au Hammond et le batteur de Sharon Jones Eric Kalb. Enfin, je poursuis ma collaboration avec John Medeski au gré de nos disponibilités.
J'ai le sentiment qu'aujourd'hui New York est l'endroit où je dois être.

Links
Will Bernard: official | discogs | facebook | myspace | parisdjs | twitter | wikipedia
Baguette Quartette: official | facebook

Interview de Stephen Coates (The Real Tuesday Weld, french version)

Nicolas Ragonneau — Thu, 12 Jan 2012 14:49:00 +0100

Stephen Coates (The Real Tuesday Weld)
(Interview de Nicolas Ragonneau pour Paris Djs, janvier 2012)

Stephen Coates est un homme de masques, d'illusions et de faux-semblants. Depuis la fin du XXe siècle, et sous le pseudonyme étrange et féminin de The Real Tuesday Weld (l'actrice blonde d'Il était une fois en Amérique), il a signé des albums inclassables et mémorables comme I, Lucifer (2004), The London Book of The Dead (2007) ou The End Of The World (2008). C'est un monde baroque et romantique à la mélancolie douce-amère, dont Londres est le théâtre exclusif, et The Clerkenwell Kid (un autre de ses pseudonymes) le héros récurrent.
Bien avant la mode de l'électro-swing, Stephen avait créé son propre genre musical (l'antique beat) mêlant le jazz de l'entre-deux guerres, le cabaret, l'easy-listening et l'électro. Son nouvel album, Songs for The Last Werewolf (x.php/tag/SIX%20DEGREES">Six Degrees Records/USA), sort le 16 janvier. Présenté comme la bande originale du livre The Last Werewolf de Glen Duncan (Canongate Books, 2011), ce disque est commercialisé sous la forme d'un petit livre de format carré. Son autre projet, un groupe garage-blues psychédélique formé avec le chanteur Joe Coles, Lazarus and The Plane Crash (lire la chronique de l'album Horseplay ici), vient de sortir sur son label Antique Beat. Avec une grande sincérité et son ironie coutumière, Stephen Coates revient sur la formation de The Real Tuesday Weld, la façon dont il utilise ses rêves dans sa vie, son amour pour Londres, avant le mix exclusif qu'il a préparé pour Paris DJs, prévu le 17 janvier.

01. En préparant cet entretien, j'ai été frappé par ton obsession pour les rêves, dans d'innombrables chansons, jusqu'à ta BO du film surréaliste 'Dreams money can buy'. 'Le mot 'rêve' est capital dans ton univers.
Oui, c'est un mot essentiel pour moi, avec 'amour' aussi, bien sûr. Je continue à écrire des chansons avec ses deux mots dans les titres, comme ce morceau que je viens de finir pour la St-Valentin, 'Dreams Of Love'. Mais je ne suis un expert ni dans l'un, ni dans l'autre domaine.

02. Tu as fait un rêve où apparaissait le crooner Al Bowlly, un autre avec l'actrice américaine Tuesday Weld, et ces deux rêves t'ont poussé à choisir la voie de la musique et le nom de ton groupe. Est-ce que tu t'en souviens avec précision?
Je peux m'en souvenir comme si je venais de faire ces rêves. Al Bowlly se penchait, tel un géant, sur la statue d'Eros à Piccadilly. Je poursuivais Tuesday Weld qui s'enfuyait dans les rues de Londres, mais elle n'arrêtait pas de se retourner.

03. Il y a au moins un lien entre Tuesday Weld et Al Bowlly. Tu vois lequel??
Aaah - s'il te plaît donne-moi un indice !
- Eh bien, cela tient en un seul mot : prohibition. Al Bowlly est un chanteur célèbre des années 30, et "Il était une fois en Amérique", le film le plus connu de Tuesday Weld, se passe en partie pendant la prohibition américaine.
Ok, je voix mieux maintenant de quoi tu veux parler. J'aime beaucoup "Il était une fois en Amérique", un grand film et une grande B.O.F.

04. Quelle est la signification de ces rêves selon toi?
J'ai perçu le rêve avec Al Bowlly comme un signe: il falIait que je revienne à la musique que j'écoutais (du jazz des années 30 et de l'easy-listening) dans la maison qui m'avait vu grandir. L'apparition de Tuesday Weld était pour moi une sorte de but, une icône inatteignable sur le point de disparaître à tout jamais derrière l'horizon. Al Bowlly était en quelque sorte la première pop star anglaise, bien qu'étant grec en fait. Mais il y a quelque chose dans sa voix qui n'est pas de ce monde, et le fait qu'il soit mort sous les bombardements de Londres, après un concert, en fait une figure très romantique pour moi. Tuesday Weld semblait incarner une figure opposée - une beauté américaine, glamour, mais avec un cerveau.

05. Est-ce que tu t'intéresses à l'interprétation des rêves, particulièrement dans l'Antiquité?
Beaucoup. Pour expliquer cela, un rapide retour en arrière s'impose: au millieu des années 90, j'étais convaincu, comme toujours lorsqu'on est jeune, que j'allais connaître la révélation. Je pratiquais le bouddhisme, alors je suis parti vivre et étudier dans un monastère dans les montagnes au sud de l'Espagne. J'ai passé un moment extraodinaire là-bas mais... je n'ai jamais eu de révélation. Après mon retour à Londres et une histoire d'amour avortée, j'ai vécu une sorte de crise psychique ou, comme on dit en Angleterre, 'I went round the bend' [expression idiomatique pour dire 'devenir cinglé', NdT]. J'ai fait des expériences très étranges à Londres. J'ai commencé à étudier Jung, et donc à prendre mes rêves au sérieux (moi-même je me prenais déjà très au sérieux). J'ai pris de nombreuses décisions basées entièrement sur l'intuition et les rêves. Je le fais encore, bien que je sois devenu un peu plus professionnel ces dernières années.

06. On me dit que l'actrice Tuesday Weld monte un groupe nommé The Real Stephen Coates. Qu'est-ce que tu en dis?
Hahaha - très bien. J'ai reçu des lettres ou des messages pour Tuesday ces dernières années. C'est assez étrange. Est-ce que ces personnes vont sur mon site et pensent : "Tiens, désormais elle se fait passer pour un Anglais et elle fait de la musique, je vais quand même lui envoyer un message" ? Je partage l'admiration de ces gens pour elle, mais je pense que je lui ai épargné pas mal d'embarras en ne lui transmettant pas ces messages - ils sont souvent très spéciaux.

07. Ta musique créé un sentiment proche de ce moment de flottement entre la veille et le sommeil. Est-ce intentionnel?
Hé bien, je suis content d'entendre ça. Oui, c'est ce que je cherche à faire. Mes deux adages sont "un rêve dans chaque chanson" et "un film dans chaque chanson". Ce qui me fait penser à une chose, je ne sais pas si tu as déjà vécu ça, mais de temps en temps quand je rêve j'entends (dans mon rêve) une musique magnifique. Pas seulement magnifique, mais incroyablement commerciale. Mais à ce moment je commence à me réveiller et je fais tout ce que je peux pour revenir dans mon rêve, ou alors j'attrape mon téléphone pour y enregistrer la mélodie. La plupart du temps, c'est trop tard, et un ami m'appelle dans la journée pour me dire "c'était quoi ce message que tu as laissé sur mon répondeur avec ces grognements terribles?".

08. Comment as-tu commencé dans la musique?
Ma sœur et moi-même faisions de la musique quand nous étions petits, puis j'ai à peu près tout oublié quand j'ai étudié au Royal College Of Art. Ensuite j'avais en projet de retrouver les sons qui ont bercé mon enfance. Un ami a envoyé ce projet à un label qui m'a contacté pour le publier. Ils m'en ont demandé davantage ensuite, alors j'ai fait un disque avec eux puis j'ai fini aussi par signer avec un label américain. J'ai accepté à contrecoeur de faire un concert unique à Londres (4 chansons seulement), mais juste après j'ai été invité à jouer à New York et à Athens, et c'est comme ça que tout a commencé. Je n'avais aucune stratégie, j'ai juste suivi les choses au fur et à mesure. J'ai eu beaucoup de chance, j'ai pu bénéficier de l'enthousiasme et de l'hospitalité de certaines personnes. Et quand je suis invité, je réponds favorablement la plupart du temps.

09. Quels étaient tes dieux en musique quand tu étais adolescent?
J'étais très réceptif aux chansons, et sans doute davantage qu'aux personnalités. Et aussi aux films. J'ai été très influencé par Angel Heart, Brazil et The Singing Detective. Le premier artiste qui m'ait vraiment soufflé, c'est Gainsbourg.

10. Le mot 'cabaret' est souvent prononcé pour parler de ta musique. Est-ce que Gerschwin et Kurt Weill t'ont influencé?
J'aimerais bien. Et j'espère que c'est le cas, tout comme Cole Porter, Stephen Sondheim, Bertholt Brecht, Tom Waits et Kathleen Brennan.

11. Comment as-tu travaillé avec Glen Duncan sur 'I, Lucifer' et 'The Last Werewolf'?
Quelques informations pour bien resituer le contexte. Glen et moi-même sommes amis depuis longtemps. Quand nous habitions ensemble dans mon appart à Ladbroke Grove, vivant chacun une crise existentielle en parallèle, nous avions l'habitude de nous lever le matin et de nous raconter les rêves que nous avions faits dans la nuit. A ce sujet, c'est une pratique que je conseille à chacun. Primo parce qu'on devient très intime sur le plan psychique avec ses amis et secundo parce qu'il n'y a rien de tel que d'entendre un ami vous dire ce qu'il voit dans vos rêves. Enfin, votre imagination est exacerbée par les images de vos propres rêves et celles de de vos amis. Et on se souvient aussi beaucoup mieux de ses rêves de cette manière.
Ainsi, à cause d'un rêve j'ai emménagé à Clerkenwell et Glen m'a rejoint quelque temps plus tard. L'heure était venue pour lui d'écrire un nouveau roman et pour moi un nouveau disque. Un soir nous étions au pub, un peu éméchés, et on s'est dit que ce serait intéressant de faire la bande originale d'un livre. C'est comme ça que 'I, Lucifer' est né. Nous habitions ensemble à cette époque alors le livre et l'album sont un peu comme un frère accompagné de sa petite soeur. On pensait que tout le monde allait copier l'idée, mais évidemment personne ne l'a fait alors on a recommencé avec The Last Werewolf. Je ne lis pas de fiction en dehors des livres de Glen. Pour The Last Werewolf il m'a confié le manuscrit et m'a suggéré d'en composer la bande originale. Alors je l'ai lu et un an après environ, les chansons sont venues.

The Real Tuesday Weld - Me and Mr. Wolf

12. Tu as déclaré bien des fois te sentir à l'aise avec la narration. Comme 'I, Lucifer' et 'The Last Werewolf' sont des bandes originales de livres, ne serait-il pas évident de réaliser un véritable album concept, le genre de disque que tu pourrais ensuite interpréter sur scène avec des acteurs, des danseurs, des invités de toute sorte?
J'aimerais faire ça. J'essaie d'aller dans ce sens. Le mini-album "At The End Of The World" que nous avons enregistré repose sur l'idée d'un concert enregistré le soir de l'Apocalypse. Je travaille à une comédie musicale avec Marcella Puppini et le dramaturge Mark Markham. Nos concerts sont assez théâtraux, ils présentent les films et animations que nous avons réalisés. J'aime cette idée de créer un petit monde que le public pourrait s'approprier, bien davantage qu'un simple concert.

13. Les paroles de tes chansons sont brillantes et en même temps très simples. Est-ce difficile de bien écrire avec des mots simples?
Merci. J'aime écrire des paroles, mais je trouve ça de plus en plus difficile avec le temps. Je pense que le secret est d'écrire beaucoup et de se corriger beaucoup. J'ai écrit beaucoup de chansons très mauvaises - je les tiens à l'écart de ma vue dans le tiroir du bureau. Il ne semble pas y avoir moyen d'éviter ça. C'est plus simple de bien écrire pour un tiers, ou de servir d'un personnage que je crée. Le livre de Stephen Sondheim 'Finishing The Hat' détient tous les secrets à ce sujet.

14. Parle-moi de ta vision fantasmée de Londres. Est-ce que tu vis encore à Clerkenwell?
J'ai toujours un appartement à ClerkenwelI, mais mon studio est à Vauxhall. Quand je suis arrivé à Londres, je me suis immédiatement senti chez moi. Il y a trois niveaux dans cette ville (et peut-être que c'est la même chose pour Paris) : en premier tu n'es qu'un 'visiteur'. Ensuite si tu décides de rester tu deviens un 'résident'. Enfin si tu te décides à rester définitivement tu deviens un 'habitant' - mais c'est la ville elle-même qui prend cette décision, pas toi. J'aime la plupart des villes mais quand je suis rentré d'Espagne j'ai vécu des expériences intenses qui ont totalement changé les choses. J'ai commencé à penser que j'étais au coeur d'une vaste histoire ou d'un mythe, et j'ai commencé à essayer d'écrire là-dessus.

15. Parle-moi de ton nouveau groupe, Lazarus and the Plane Crash.
Hé bien, c'est moi et Joe Coles, du groupe garage britanniques "The Guillotines". J'écris la musique et il se cahrge des paroles - c'est un poète génial dans le style de Captain Beefheart, et aussi un sacré performer. L'album 'Horseplay' sort en Grande-Bretagne en janvier, et peu de temps après en Europe. C'est une chose étrange et hirsute et je l'aime beaucoup.

Lazarus and The Plane Crash - King of the Village Fete

16. Tu as travaillé sur la bande originale du jeu vidéo L.A. Noire. Comment as-tu composé. Est-ce très différent d'une B.O.F classique?
Il m'ont téléphoné fin 2010, juste avant Noël. Je n'ai jamais joué au moindre jeu vidéo de ma vie, et avec toutes les musiques de films que j'ai faites j'étais plus impliqué dans le cinéma actuel, mais j'ai beaucoup aimé le brief. Il s'agissait d'écrire des chansons originales dans l'esprit des romans et films noirs des années 40. C'est ce que j'ai fait, j'ai enregistré avec Claudia Brucken de Propaganda, puis j'ai donné les morceaux séparés à Rockstar Games. Ils les ont disposés tout au long du jeu. Je ne sais pas trop comment ils font ça. Je ne sais pas si tu as vu le jeu, mais un monde complexe. Très stylé.

17. Je te laisse le dernier mot. Pose-toi une question et réponds-y comme dans un auto-entretien.
Qu'est-ce qui vient après ?
- J'aimerais donner davantage de concerts, particulièrement en Europe, travailler avec davantage de réalisateurs de films et aussi... ah oui: écrire un chef-d'œuvre.

Questionnaire de Proust

01. Ton classique de la littérature favori.
Les Grandes Espérances - Charles Dickens.

02. Ton poète ou écrivain préféré.
Peter Ackroyd.

03. Ton film muet préféré.
Underground - Herbert Asquith, 1927.

04. Dix films que tu emporterais sur une île déserte.
My Dinner with Andre, F for Fake, Brazil, The Eternal Sunshine of the Spotless Mind, I heart Huckabees, Synechdoche New York, The Last Picture Show, La Jetee, Mary Poppins, Dr Jivago.

05. Ton film de la Hammer préféré.
The Wickerman.

06. Ton film de loup-garou préféré.
(Est-ce que Proust regardait des films de loup-garous?!)
Le loup-garou de Londres.

07. Tes metteurs en scène préférés ?
Orson Welles, PT Anderson, Charlie Chaplin.

08. Ta B.O.F. préférée ?
Angel Heart.

09. Ton compositeur de classique préféré ?
Chopin.

10. Ta 'torch song' préférée ? (les 'torch songs' sont des chansons romantiques évoquant un amour perdu ou impossible)
September Song - Kurt Weill.

11. Ton peintre préféré ?
William Blake.

12. Ton musée préféré.
Museum of London.

13. Ton ou ta photgraphe préféré(e) ?
Lee Miller.

14. Un artiste ou musicien vivant avec lequel tu aimerais travailler.
Tom Waits.

15. Ta définition d'un rêve.
L'inconscient devenu conscient.

16. Ta définition d'un cauchemar.
L'inconscient devenu conscient.

17. Ton mot d'esprit préféré.
'Plus haut monte le singe et plus on voit son cul'.

18. Une chose très importante que tu dois faire avant de mourir.
Faire un testament.

19. Ecris ton épitaphe.
Est né, a aimé, a passé. (Born, loved, dreamt, died).

Links :
The Real Tuesday Weld : official | antique beat | bandcamp | blogspot | discogs | facebook | myspace | parisdjs | soundcloud | twitter | wikipedia | youtube
Crammed Discs : official | discogs | facebook | myspace | parisdjs | soundcloud | twitter | wikipedia | youtube
Six Degrees Records : official | bandcamp | myspace | soundcloud | twitter |facebook | wordpress | youtube
Lazarus and The Plane Crash : official | facebook | myspace | twitter | youtube

Interview d'Adrian Quesada (french version)

Nicolas Ragonneau — Thu, 05 Jan 2012 17:58:00 +0100

Interview d'Adrian Quesada
(Interview par Nicolas Ragonneau - avril 2011)

Rencontre avec Adrian Quesada, un des guitaristes les plus intéressants de la scène funk afro/latino pour Grupo Fantasma, Ocote Soul Sounds et Brownout, alors que paraît son nouveau disque sous le nom mystérieux de The Echocentrics. Nous lui consacrons également un mix exclusif, à télécharger ici, en attendant le mix qu'Adrian a concocté spécialement pour la série World People de Paris DJs.

Adrian Quesada - photo by Jean Saint Jean

01. Comment as-tu commencé la musique?
Je suis entiché de musique depuis toujours. J'étais un enfant unique, alors j'avais beaucoup de temps pour moi, que j'utilisais à dessiner et à écouter de la musique toute la journée. J'étais devant ma télévision pour le tout premier programme de MTV, j'ai assisté au lancement de la fusée... J'ai grandi dans une ville relativement petite, alors j'ai pu me plonger dans tout un monde musical, et plus particulièrement le hip hop. Mon père a essayé de me faire donner des leçons de piano vers l'âge de 12 ans, mais je suis passé à la guitare à 13 ans et c'est mon oncle qui payait mes cours.

02. Avais-tu des guitar heroes quand tu étais adolescent?
Hendrix et Santana, comme tout le monde, mais pour être tout à fait franc, j'avais une aversion pour les guitaristes au jeu racoleur et plein de solos virtuoses. Je préférais les compos plus soul et rythmées, peut-être à cause des samples que j'entendais dans mes morceaux de hip hop favoris.

03. Est-ce que Sunshadows est un album solo d'Adrian Quesada?
De tout ce que j'ai fait, cet album est la chose la plus proche d'un album solo, mais ce n'en est pas un à 100%. J'ai écrit une grande partie de ce disque il y a des années, j'ai désormais 40 morceaux, mais c'est vraiment avec Tita Lima et Natalia Clavier (les chanteuses de l'album, NDLR) que le projet s'est concrétisé. Je savais que je voulais faire une soul languide aux accents pysché, mais je n'aurais pas pu achever cela seul, elles ont pu ainsi assembler tous les composants.

04. D'où vient le nom "Echocentrics"?
Le nom à l'origine était "Los Electrics", mais la plupart de la musique que je fais est rangée dans la catégorie "latin", alors je voulais éviter "los 'quelque chose'". Je voulais que cela évoque la réverbération à ressort [sur la réverbération à ressort, lire l'article de Wikipedia] , la chambre d'écho ou quelque chose qui rappelle le psychédélique et le mot Echocentrics m'est venu à l'esprit. J'ai été surpris qu'à notre époque un nom aussi simple soit encore disponible. Je n'avais pas envie de devoir appeler le projet "Lovelorn Tiger Sits a Tree" ou un nom à la con de ce genre.

The Echocentrics - Sunshadows - plus d'infos

05. Parmi les influences du disque, tu évoques Ennio Morricone. Tu as une B.O.F. particulière en tête?
C'est difficile d'en choisir une en particulier, il y en a tant et je ne suis pas un spécialiste mais comme ça, à brûle-pourpoint, j'ai toujours aimé "Il Gatto a Nove Code" (Le chat à neuf queues de Dario Argento, NDLR), ça fait peur et c'est bizarre à la fois, d'une manière subtile.

06. Tu cites aussi Serge Gainsbourg. Quel est ton album préféré?
Probablement "L'Histoire de Melody Nelson"... j'aime ses arrangements luxuriants et toute son attitude qui lui donne ce côté si moderne. Tout est là !

07. Dans Sunshadows, il est assez facile de reconnaître ton style de guitar, à la fois fluide et humide. Comment le décrirais-tu?
Je dirais qu'il est rythmique. J'aime quand la guitare joue le rôle d'un instrument rythmique et qu'il y ait assez d'espace pour pour enregistrer 3 ou 4 parties qui fonctionnent ensemble sans se polluer, et c'est ce que je préfère dans la musique africaine. Les guitaristes aiment surjouer, j'ai tendance à sous-jouer. D'une certaine manière je joue de la guitare comme je jouerais de la batterie.

08. On décrit ton style comme 'psychédélique'. Es-tu d'accord avec ça, et quelle est ta definition de la musique psychédélique?
Je pense que c'est un peu psychédélique. Il y a bien plus psychédélique que cela évidemment, surtout dans le genre psychotrope, mais je pense que ce disque-ci est légèrement psychédélique... un maximum de réverb' à ressort permet habituellement d'ajouter cette touche.

09. Tout l'album pourrait faire la bande-son d'un film de Sam Peckinpah, de la Soif du mal d'Orson Welles ou tout autre film se passant la frontière américano-mexicaine. Est-ce tu penses qu'il existe un style de musique typique de la frontière?
C'est dur de parler d'un style 'frontière', c'est trop vague, ce que cela peut inspirer à une personne peut être complètement différent pour une autre. Par exemple, j'ai grandi dans une ville entre le Texas et le Mexique, et ce qu'est la frontière pour moi est sans doute totalement différent pour quelqu'un qui habite plus à l'Ouest. En généralisant, on pourrait évoquer une atmosphère de désert texan et d'errance désolée.

10. Il n'y a que des chanteuses sur le disque. Etait-ce voulu?
Quand j'ai commencé à écrire ces chansons, je ne savais pas trop qui chanterait – tout aussi bien un homme qu'une femme. Une fois que j'ai commencé à travailler avec Natalia et Tita je me suis dit que ce serait plus cohérent de n'avoir que des voix féminines.

11. J'ai découvert Tita Lima il y a cinq ans sur l'album d'Apollo Nove. Comment en es-tu venu à travailler avec elle?
Mat Whitington, un de mes amis, m'a parlé d'elle à l'époque où j'ai commencé à écrire ces chansons. On a échangé par mail, on est resté en contact, elle est venue à Austin il y a des années, et nous n'avons pas cessé de travailler ensemble depuis.

12. Parle-moi un peu du nouveau Ocote Soul Sounds. Quand sortira-t-il et quelle sera la couleur de ce disque?
Le nouveau Ocote devrait sortir fin mai-début juin de cette année (le 31 mai, NDR). Il s'appelle Taurus et il est produit par Eric Hilton. Nous l'avons enregistré en deux semaines l'an dernier entre Austin et Washington DC. Je dirais que cet album est le plus cohérent que nous ayons enregistré, et on y retrouve nos collaborateurs habituels : Chico Mann, Will Rast, entre autres. Il y aura moins d'instrumentaux sur ce disque, et c'est le premier pour lequel on fait appel à un producteur extérieur. C'est bien de pouvoir compter sur une paire d'oreilles supplémentaire.

13. Austin est devenu un endroit très important pour la musique avec des groupes comme Ocote, Grupo Fantasma, Brownout, Black Joe Lewis, Hard Proof, Iron and Wine et les Black Angels pour en nommer quelques-uns. Comment expliques-tu ce phénomène?
Le talent est là, les musiciens et les groupes font partie d'une communauté avec une esthétique très authentique. La seule différence entre Austin et des publics de LA ou NYC, c'est qu'il y a dans ces grosses villes une plus grosses concentration d'infrastructures et de média, qui offrent davantage d'oppportunités. J'aime voyager et visiter de plus grosses villes dans le monde, mais je me sens 100% texan et j'aime vivre à Austin. La raison pour laquelle la ville a si bonne réputation, c'est que les groupes merdiques ne font pas carrière ici, car il y a des milliers de groupes qui jouent tous les soirs. Alors tu as intérêt à avoir un bon groupe de scène, tu as intérêt à savoir jouer, sinon les gens vont te faire sentir très vite que tu n'es pas au niveau.

14. Tu as joué avec Prince. Je sais que tu as dû parler de ça des centaines de fois, mais tu peux quand même nous raconter une anecdote à ce sujet?
Nous (Grupo Fantasma, NDR) étions le groupe qui jouait tous les jeudis soir à son club de Las Vegas, le 3121 (désormais fermé). A partir de là il nous a invités à jouer avec lui à quelques fêtes à LA. On l'a aussi accompagné en faisant sa première partie à l'O2 Arena de Londres, nous avons été son backing band à une fête du Super Bowl, et nous avons répété avec lui pour préparer le festival de Coachella et le Tonight Show. J'ai le sentiment d'avoir beaucoup muri comme musicien en étant simplement dans la même pièce que lui. Nous n'avons pas joué avec lui depuis plusieurs années, mais quand je réfléchis à cette période, je me dis que nous avons vraiment eu beaucoup de chance de pouvoir le côtoyer. Il a toujours cru en nous et il nous a vraiment beaucoup aidés. Une des choses que je tiens à signaler, c'est que les gens n'imaginent pas à quel point il est drôle et déconneur. Quand il s'agit de bien se marrer, c'est difficile de trouver mieux que Prince.

15. Que fais-tu en dehors de la musique?
Je passe du temps avec ma femme et mes enfants. Je n'ai pas vraiment le temps de faire autre chose. Autrefois je faisais du basket, du vélo, je dessinais... mais c'est déjà dur de trouver du temps désormais pour pratiquer mes instruments !

Interview réalisée par Nicolas Ragonneau au printemps 2011.

Adrian Quesada Links : echocentrics.blogspot.com | grupofantasma.com | brownoutmusic.com | levelonestudiosatx.com | soundcloud.com/level-one-studios | myspace.com/adrianquesada | facebook.com/adrian.quesada1 | twitter.com/levelonestudios | twitter.com/adrianmquesada

Interview de Tommaso Colliva / Calibro 35 (french version)

Nicolas Ragonneau — Sat, 19 Nov 2011 15:27:00 +0100

Interview de Tommaso Colliva (Calibro 35)
(Interview par Nicolas Ragonneau pour Paris DJs - novembre 2011)

Calibro 35 est un quartet italien (Luca Cavina: bass; Enrico Gabrielli: claviers; Massimo Martellotta: guitares; Fabio Rondanini: batterie) créé à Milan par l'ingénieur du son ('le cerveau') Tommaso Colliva. Fan absolu de musiques de polizieschi (les films noirs italiens) et de gialli, Tommaso a remarqué que, si tout le monde croît connaître les B.O.F italiennes, personne ne documente ni ne joue cette musique depuis des années. D'ailleurs, en dehors d'Ennio Morricone ou de Bruno Nicolai, qui se souvient de Gianni Ferrio, Stelvio Cipriani ou Gianni Mazza, à part quelques collectionneurs? En marge de quelques œuvres des maestri transalpins (Dario Argento, Mario Bava...), la plupart des polizieschi et des gialli étaient des films oubliables, mais les musiques l'étaient rarement, ce qui forme un des paradoxes les plus marquants de l'âge d'or du cinéma italien. Calibro 35 joue les musiques de films italiens dans un registre hard-funk, jazz ou garage, et compose des morceaux originaux à la manière des maîtres du genre, avec trois albums à leur actif (Calibro 35, Ritornano Quelli di... et RARE chez Ghost Records et Nublu) et vient de collaborer au nouveau projet d'Adrian Younge, Something About April (Wax Poetics Records). Tommaso a réalisé le mix ultime consacré aux musiques de films noirs italiens. Il revient ici sur la création de Calibro 35, la collaboration avec ses musiciens, et son travail d'ingénieur du son pour MUSE ou le groupe italien Afterhours.

01. Comment est né Calibro 35?
Plusieurs facteurs convergents à la même période ont donné naissance au projet.
- Massimo et moi voulions faire quelque chose ensemble depuis longtemps, et selon nous il était écrit que Fabio en serait à la batterie (c'est le meilleur batteur que j'ai jamais rencontré).
- J'étais en tournée aux USA avec un autre groupe italien (Afterhours), et cet événement m'a poussé à réfléchir à l'héritage musical italien. "Que reste-t-il de la musique italienne et qui soit connu dans le monde entier, et dont on puisse être réellement fier?".
- Cela faisait des années que j'étais un 'crate digger', et je collectionnais principalement des BOF.
- J'avais un studio tout neuf à Milan qui n'attendait plus qu'un groupe pour l'inaugurer.
Alors je me suis dit: "pourquoi ne pas monter un groupe avec lequel on referait des musiques de films des années 60 et 70?". J'ai passé un coup de téléphone à Massimo, à Fabio et à Enrico (qui à l'époque était le claviers de Afterhours), je leur ai demandé si cela les amuserait de passer, de faire quelques morceaux, juste pour voir ce que ça pourrait donner. Il nous manquait cependant un bassiste, alors Enrico nous a présenté Luca (eux aussi voulaient faire de la musique ensemble), et le reste appartient à l'histoire...

02. Peux-tu nous raconter en détails comment tu as mené tes recherches?
Dans mon esprit, il semblait évident que les Polizieschi [polars italiens, NDR] serait le meilleur registre pour prendre du plaisir, avoir un son bien mortel et nous permettre de faire plusieurs morceaux en quelques jours. De plus Tarantino utilise ces musiques dans ses prods et ses films, donc il existe un public pour ce genre de musiques.
Ainsi le premier album est presque entièrement constitué de mes musiques de Polizieschi préférés. Il en manque deux ou trois mais les autres membres de Calibro ne les aimaient pas...

03. Est-ce qu'il y a une source importante pour ces archives musicales?
Cela fait 15 ans que j'écoute des BOF italiennes (j'ai 30 ans), alors j'ai une assez bonne vision de ce qui existe. Il y a eu des tonnes de rééditions et de compilations, mais au milieu de tout cela je dirais que la collection Easy Tempo forme une plutôt une bonne anthologie et assez complète, même si elle est un peu trop "easy" pour mes goûts personnels.

04. Pourquoi les compositeurs italiens de BOF étaient au-dessus du lot selon toi?
J'ai beaucoup réfléchi à cela après avoir formé Calibro. Je trouve que ce qui est vraiment intéressant et tout à fait particulier est le mélange des genres, des formations et des instrumentations de cette époque. Par exemple, entre le milieu des années 60 et le début des années 70 on demandait à des compositeurs de classique de faire dans la blaxpoitation. Ils ne pouvaient tout simplement pas y arriver, alors ils ont ajouté des éléments de funk dans leurs compositions pour orchestres, lesquels comprenaient aussi des musiciens de jazz... Tout cela a évidemment créé un clash musical et un kaléidoscope sonore plutôt complexe qui est devenu ce que nous connaissons désormais sous le nom d' "Italian Soundtracks".

05. As-tu pu voir tous les films des BOF que tu collectionnes?
Je ne peux t'assurer les avoir tous vus, mais je peux dire que j'en ai vu la plupart. Certains sont très difficiles à trouver, et d'autres sont disponibles en téléchargement mais dans une qualité épouvantable, alors j'ai dû arrêter d'en visionner car je commençais à avoir des problèmes de vue à force de regarder ce type d'images. Certains de ces films sont des grands films et d'autres, honnêtement, pas du tout.

06. Quel était le concept de chacun des trois albums?
Le premier, comme je te le disais plus haut, était une sort de "best of" des BOF de polizieschi. 'Ritornano Quelli Di' présente deux types de morceaux: des compositions originales que nous avons faites pour un documentaire américain (nommé 'Eurocrime'), et quelques versions mortelles de morceaux de Morricone, Ferrio et Ritz Ortolani. Entre ces deux albums, nous avons participé à de nombreux autres projets: BOF, compilations, sortie de vinyles, collaborations diverses... si bien que nous avions une quinzaine de morceaux qui n'étaient pas sur les albums, alors nous avons décidé de les réunir sous le titre 'RARE'.
Le concept du prochain album (sortie prévue en février 2012): mettre cinq musiciens italiens dans un studio à Brooklyn pendant cinq jours et voir ce qui en sort...

07. Quel son vouliez-vous pour ces disques?
Sur le premier album, on se rendait pas vraiment compte de ce que nous faisions et tout était nouveau pour nous. Imagine... Enrico n'avait jamais joué de clavinet ou d'orgue Eko Tiger avant que je ne lui demande de le faire pour Calibro. Nous avons essayé aussi de jouer des titres anciens sans trop sonner old school ou 'cliché', mais en même temps on voulait être rétro-futuristes sans utiliser la même sauce électronique attendue et dont tout le monde abuse.
Sur le deuxième album, on a dû créer notre propre musique sans perdre la dimension vintage et historique de notre son. Cela fut très instructif, car on a dû vraiment réfléchir à ce qui est vraiment l'essence de ce que nous faisons, tant sur le plan sonore que sur le plan musical.
'RARE' est un disque plus éclectique et il présente des essais et et des expériences sur plusieurs années. Certains morceaux ont été enregistrés avec seulement 6 micros, d'autres résultent de jam en studio, etc.

08. Parle-moi des musiciens de Calibro 35.
On est une bande plutôt hétérogène.
Massimo est un guitariste génial, avec une prédilection pour l'improvisation et un don pour fusionner avec les autres musiciens. Parfois, tu peux le regarder jouer sur scène, complètement habité et immergé dans son monde musical. Son expérience dans la composition de musiques originales pour des films ou des pubs est un élément capital pour nous: il est capable de trouver des mélodies et des riffs comme personne et en plus il joue de presque tous les instruments. C'est aussi le meilleur père qu'on puisse avoir.
Enrico a une formation plutôt solide, puisqu'il a étudié à la fois la clarinette et la composition au conservatoire de Milan; puis, à l'âge de 25 ans environ, il a découvert le rock et il a décidé d'abandonner le classique. Il a décidé d'embrasser la "rock and roll life" et de vivre tout ce qu'il ne faisait pas auparavant. Ces dix dernières années, je pense qu'il a joué sur quelque chose comme 60 disques, et il tourne sans arrêt avec ses autres groupes (Mariposa, Craxi, Afterhours) ou comme invité.
La première fois que j'ai écouté Fabio, nous étions à un concert avec Massimo, et on s'est demandé: "pourquoi n'est-il pas connu comme le plus grand batteur italien de tous les temps?". Je n'ai toujours pas de réponse. Il est précis et créatif, techniquement parfait et doué d'un talent unique en même temps. Il met son égo au service de la musique en lui donnant du caractère... parfait pour un batteur.
Luca est le seul membre avec lequel je n'avais pas travaillé avant Calibro et ce fut une découverte majeure. A: il se souvient d'absolument tout. (Je ne plaisante pas: il se souvient VRAIMENT de tout). B: il est certainement tombé dans le chaudron de potion magique "groove" quand il était petit, car il ne peut s'empêcher de remplir chacune des compos avec de méchantes lignes, parfaitement exécutées. C: pour lui comme pour les autres, il met la barre très haut. Il est toujours à la recherche de la perfection et il bosse dur pour y parvenir. J'aime cette attitude.

09. Quelle fut la réaction du public et de la presse quand vous avez commencé?
On ne savait pas trop comment tout ça se passerait. Comme on mélangeait tout un tas de genres (funk, rock, jazz pour n'en citer que quelques-uns), nous craignions que personne ne s'intéresse à nous puisque nous n'étions pas assez rock ou pas assez jazz. Heureusement, rien de cela n'est arrivé et nous avons été si bien accueillis dans des contextes si différents que je n'en reviens toujours pas... On a joué dans des festivals de classique, des événements d'avant-garde, des clubs de jazz, des clubs indé... partout. Et chaque endroit nous apporte idées et motivation. C'est vraiment une situation idéale.

10. Est-ce que tu penses que Calibro 35 a vocation à ne jouer que de la BO italienne, où est-ce que tu vois d'autres directions possibles pour l'avenir?
Eh bien, les BOF et le son des BOF font partie de notre ADN, alors nous n'abandonnerons jamais cet ingrédient. Mais en tant que groupe on progresse avec le temps qui passe et nous avons aussi envie d'expérimenter et d'explorer de nouvelles voies. Nous avons de la chance, car nous faisons les choses assez vite et nous n'avons pas le temps de nous ennuyer.

11. Les films noirs italiens étaient souvent très politiques, comment le reste du cinéma italien des années 60 et 70. est-ce que tu penses que cette tradition peut resurgir?
La situation politique est si différente de cette époque qu'il est presque impossible de faire la moindre comparaison. Je ne pense pas que le cinéma puisse jamais revenir à cela, tout simplement parce que le monde est différent.

12. Est-ce que tu aimerais écrire une musique originale pour un film noir? Quel serait le metteur en scène idéal?
Pas sûr. Le rêve serait de pouvoir faire la BOF d'un film de Steven Soderbergh, mais c'est sans doute trop demander...

13. Que penses-tu des réalisateurs qui utilisent des musiques de films d'autrefois pour leurs films? Par exemple, est-ce que tu as vu l'hommage français au giallo, AMER? La musique n'est pas une bande originale...
Je n'ai pas encore vu AMER, mais je vais le faire.
Je pense que la situation est compliquée pour les réalisateurs actuels. Il y a tant de musique facilement accessible partout, qu'il est sans doute trop compliqué/'chronophage' et trop coûteux d'emprunter cette voie de création de BO, mais on voit vraiment la différence quand la musique a été conçue APRÈS le film. Et encore plus quand les compositeurs sont impliquées à un stade précoce de la production et peuvent échanger avec les metteurs en scène avant que le film soit tourné.

14. Si on excepte le maestro Ennio Morricone, quel est ton compositeur de BOF préféré?
Sans hésitation : Gianni Ferrio.

15. Parle-moi un peu de toi. Comme beaucoup d'ingénieurs du son, tu es un homme de l'ombre. Mais tu as travaillé pour des artistes célèbres comme Afterhours, Franz Ferdinand et MUSE...
J'ai commencé comme ingé assistant dans un gros studio à Milan où je me suis fait les dents. Cela m'a donné la chance de travailler avec des musiciens incroyables, dans bien des sortes de genres musicaux. Je suis fou de musique et je suis plutôt un bon élève également, alors j'ai toujours trouvé des choses à apprendre des projets sur lesquels je bossais. Avec des artistes comme le groupe anglais MUSE ou les italiens d'Afterhours, j'ai une relation solide et durable, et c'est l'une des choses qui me plaisent le plus : c'est assez simple de travailler avec un artiste une fois, mais c'est beaucoup plus difficile de gagner sa confiance et de le rendre loyal.

16. Est-ce que tu as une perle cachée de la scène funk/jazz italienne à nous conseiller?
Mmmmm, pas vraiment, mis je dois avouer que je ne suis plus trop cette scène désormais...

17. Dernière question: l'Italie et l'Europe en général vivent des temps difficiles. L'italie voit ses jeunes quitter massivement le pays. Que penses-tu de la situation économique et politique?
C'est une honte, mais une conséquence assez logique des choix faits par notre classe politique depuis 20 à 30 années. J'ai 30 ans cette année, je lis les journaux tous les jours depuis 15 ans, et cela fait 15 ans que je lis tous les jours "le système italien doit être réformé car il n'est plus du tout viable"... pourquoi personne ne l'a fait ? Une fois qu'on a dit ça, l'Italie demeure cependant un des meilleurs pays où l'on puisse vivre.

Links :
Calibro 35 : official | facebook | myspace | parisdjs | soundcloud | twitter | vimeo
Tommaso Colliva : official | discogs | myspace
Ghost Records : official | facebook | myspace | twitter | youtube
Nublu : official | facebook | soundcloud | twitter | youtube

Interview de Joe Henry (french version)

Nicolas Ragonneau — Thu, 27 Oct 2011 15:34:00 +0200

Joe Henry
(Interview par Nicolas Ragonneau, pour Paris DJs - octobre 2011)

Quelques rares artistes méritent le titre de "légendes vivantes", mais Joe Henry fait incontestablement partie de ceux-là. Il associe le talent d'un producteur très demandé (Allen Toussaint, Solomon Burke, Aaron Neville, Jim White, Ani Di Franco, Carolina Chocolate Drops, Hugh Laurie...) aux qualités d'un songwriter hors-pair. Depuis plus de dix ans Joe Henry a signé sous son nom plusieurs chefs-d'œuvre, avec des invités rares et prestigieux comme Ornette Coleman, Brad Melhdau, Jason Moran et bien d'autres. Il est de retour cet automne avec Reverie un fantastique album 100% acoustique (ANTI Records) dont il décrit ici l'esthétique particulière. Et comme Joe Henry est de longue date un amateur de poésie, de peinture et d'art en général, il semblait un client évident pour répondre à notre Questionnaire de Proust. Nous publierons un mix exclusif consacré à Joe Henry le 5 novembre.

01. Reverie est un mot très important pour la littérature française. Pourquoi ce titre ?
Ce mot n'évoque pas l'acception courante du dictionnaire, mais plutôt cette forme d'éveil aux mystères et aux merveilles de notre monde, que nos distractions quotidiennes ne facilitent pas. La plupart des personnages qui traversent ces chansons constatent avec effroi le temps qui est perdu ; mais en même temps la crise les rend lucides, peut-être pour la toute première fois.

02. Reverie est un album exclusivement acoustique. On aurait pu s'attendre à un son dépouillé, extrêmement épuré et très clair, mais tu as choisi une autre voie.
Je voulais composer avec un vocabulaire acoustique et plus simple, mais cela n'implique pas selon moi une expression plus limitée — ou moins ambitieuse. Je voulais qu'on sente les éléments dans la pièce... ce grain brut qui est palpable dans le murmure des instruments acoustiques ; et puis j'aimais l'idée que, si on avait besoin de rendre les choses plus exotiques, l'exotisme ne viendrait pas d'un instrument exotique, mais plutôt de l'intention qu'on mettrait dans notre façon de jouer.

03. Il y a une sorte de souffle continu dans le fond, comme on entendrait une rivière ou un rivage au loin.
J'ai laissé toutes les fenêtres du studio ouvertes et j'ai disposé un micro devant chacune d'entre elles, afin que chaque son de la vie à l'extérieur puisse devenir une composante de la musique. Les chansons ne viennent pas dans un grand vide, et j'ai senti qu'il était inutile de continuer à faire semblant du contraire pendant l'enregistrement. J'estime aussi que cela incite l'auditeur à écouter le disque d'une seule traite, puisqu'il n'y a pas de silence entre les chansons. Les bruits environnants qui s'enchevêtrent donnent l'impression que le disque se crée en temps réel pendant son écoute.

04. La forme de Reverie évoque le cercle, une forme infini où le début renvoie à la fin et vice-versa.
Comme la vie elle-même, tout à fait. L'arc de la vie ne suit pas une ligne droite, mais décrit plutôt des cercles comme un petit avion, tout en voyant le paysage se transformer de l'été à l'automne, sans cesse.

05. Tu demandes souvent à tes musiciens de regarder des films avant d'enregistrer. Quel était ta recommandation cette fois-ci?
Les Désaxés de John Huston avec Marylin Monroe, Clarke Gable et Monty Clift.

06. Un mot au sujet des voix féminines sur ce disque.
Jean McClain chante sur "Odetta" et "Sticks & Stones". Je n'ai jamais cessé de travailler avec elle depuis mon album 'Fuse' (1997), quand je lui ai proposé de m'accompagner sur "like She was A Hammer". Elle est incroyable, elle a cette façon d'occuper l'espace comme Mavis Staples et Ann Peebles savent le faire. Lisa Hannigan chante avec moi sur "Piano Furnace". Je viens de produire son nouveau disque, 'Passenger' (n°1 des ventes au moment où j'écris ces lignes). J'ai été (et demeure) sous le charme de ses talents de chanteuse, de songwriter et de son exquise personne. Je suis intarissable à son sujet, et naturellement je lui ai ouvert la porte pour cet album. "Piano Furnace" a trouvé l'espace parfait et la nostalgie. Et maintenant je ne puis imaginer cette chanson sans elle.

07. Vas-tu tourner en Europe ?
Je vais faire un concert unique à Londres le 2 décembre, en duo avec Brad Mehldau, dans une série de concerts qu'il a initiée au Wigmore Hall. Et pour la tournée de "Reverie", ce sera pour février, mais je ne sais pas encore où, bien que j'espère m'arrêter à Paris.

08. Tes écrivains favoris.
Gabriel Garcia Marquez, Alice Munro, Flannery O’Connor, Eudora Welty, Raymond Carver, Nathaneal West...

09. Tes poètes préférés.
Rainer Maria Rilke, Walt Whitman, William Carlos Williams, Arthur Rimbaud, James Wright, Wallace Stevens, Antonio Machado...

10. Ton classique préféré.
Moby Dick by Herman Melville

11. Tes philosophes préférés.
Ralph Waldo Emerson, R. Buckminster Fuller...

12. Ton peintre préféré.
Pablo Picasso, Henri Matisse, Marc Chagall...

13. Ton compositeur favori.
Claude Debussy

14. Ton metteur en scène préféré.
Marcel Carne, Federico Fellini, Wes Anderson, Ingmar Bergman...

15. Les 10 films que tu emporterais sur une île déserte.
Les Enfant Du Paradis, Sur les Quais, Casablanca, Dr. Folamour, La famille Tenenbaum, Chinatown, La Dernière Corvéel, I Vitelloni, Rushmore, 8 1/2.

16. Ton vin préféré.
Rouge. En ai-je dit assez ? Je suis un grand amateur, alors c'est dur d'en choisir un. Mais en ce moment je suis plutôt sur les grands rouges espagnols et les cabernets de Californie.

17. Ton mot d'esprit préféré.
"Be careful what you want out of life because you’ll get it." Bette Davis

18. Ton chanteur ou musicien préféré à la Nouvelle-Orléans.
Louis Armstrong (le champion du monde des poids-lourds).

19. Un chanteur ou musicien européen que tu aimerais produire.
Salif Keita. J'ai produit des chansons pour lui (en fait un album entier mais seules 2 chansons ont été publiées), mais je souhaite en faire davantage.

20. Y a-t-il un genre musical que tu ne peux pas supporter ?
Je ne raisonne pas en termes de genre.

21. As-tu jamais refusé de produire un artiste ?
"Refuser" n'est pas le mot. J'ai répondu "non, merci" bien des fois, mais ce ne serait pas très convenable de citer des noms. Mes choix sont personnels et ne doivent pas être perçus comme des jugements de valeur.

22. Quel métier aimerais-tu faire dans une autre vie ?
Metteur en scène de cinéma. Puis facteur.

23. Le Temps est-il linéaire ou circulaire selon toi ?
"Nous vivons nos vies dans des cercles qui s'agrandissent à perpétuité..." Rilke

24. Dans quel animal souhaiterais-tu être réincarné ?
Orson Welles.

25. Une chose très importante que tu dois faire avant de mourir.
Parler moins, écouter davantage.

26. Rédige ton épitaphe.
Ce serait une strophe de William Carlos Williams :

It is I, a sparrow -
I did my best.
Farewell.

"C'est moi, un moineau -
J'ai fait de mon mieux.
Adieu."

Interview par Nicolas Ragonneau

Liens :
Joe Henry : officiel | discogs | facebook | myspace | wikipedia | ANTI | a blog about Joe Henry

Discographie Sélective :
Joe Henry - Fuse 1999
Teddy Thompson - Teddy Thompson 2000
Joe Henry - Scar 2001
John Doe - Dim Stars, Bright Sky 2002
Solomon Burke's - Don't Give Up On Me 2002
Joe Henry - Tiny Voices 2003
Joe Henry - 'I Can Quit Anytime' & 'Animal Skin' on the single 'This Afternoon' 2003
Jim White - Drill A Hole In That Substrate And Tell Me What You See 2004
Ani DiFranco - Knuckle Down 2004
Aimee Mann - The Forgotten Arm 2005
Bettye LaVette - I've Got My Own Hell to Raise 2005
Various - Our New Orleans 2005
Various - I Believe To My Soul 2005
Susan Tedeschi - Hope and Desire 2005
Aimee Mann - The Forgotten Arm 2005
Susan Tedeschi - Hope And Desire 2005
Various - Meeting on Mission Street feat. Allen Toussaint, Mavis Staples, Ann Peebles, Irma Thomas and Billy Preston 2005
Various - Our New Orleans feat. Allen Toussaint, Diry Dozen Brass Band, Irma Thomas 2005
Elvis Costello & Allen Toussaint - The River in Reverse 2006
Joe Henry - Civilians 2007
Loudon Wainwright III - Strange Weirdos 2007
Mary Gauthier - Between Daylight and Dark 2007
Loudon Wainwright III - Recovery 2008
Rodney Crowell - Sex and Gasoline 2008
Allen Toussaint - The Bright Mississippi 2009
Joe Henry - Blood From Stars 2009
Ramblin' Jack Elliott - A Stranger Here 2009
Carolina Chocolate Drops - Jenuine Negro Jig 2009
Salif Keita - La Différence 2009
Mose Allison - The Way of the World 2010
Hugh Laurie - Let Them Talk 2011
Joe Henry - Reverie 2011

Interview de Greg Foat (French version)

Nicolas Ragonneau — Tue, 04 Oct 2011 12:35:00 +0200

The Greg Foat Group
(Interview by Nicolas Ragonneau, for Paris DJs - september 2011)

The Greg Foat Group est l'une des révélations jazz/soundtrack de l'année avec l'album Dark Is The Sun, publié par le label JAZZMAN ce printemps. Pianiste et DJ, Greg Foat confie dans cette interview exclusive son amour pour l'île de Wight et une mystérieuse chanteuse française, son goût pour les claviers vintage, les vinyles et les romans de science-fiction.

Il a aussi concocté tout spécialement pour Paris DJs un mix exclusif 'Greg Foat Sci-Fi Bugalu Mix', parfait pour une fête teintée d'étrange science-fictionnesque......

01. Comme le fameux groupe The Bees, tu viens de l'île de Wight. Y a-t-il sur l'île un climat particulier propice à l'éclosion de musiciens ?
J'aime l'île de Wight, je pense que c'est un endroit très spécial. Beaucoup de musiciens en activité, et d'autres à la retraite, résident dans l'île. J'ai appris à jouer aux côtés de musiciens de jazz ou de session qui se produisaient sur des bateaux de croisière sur le solent (le passage entre l'île principale et l'île de Wight) dans les années 60, 70 et 80. Ces musiciens ont une culture musicale très vaste et ils connaissent bien des genres musicaux du monde entier. Il y a eu et il y a toujours une scène musicale très forte sur l'île, avec des groupes et des musiciens dans les bars, les hôtels et les clubs — et plus récemment dans les festivals. J'ai moi-même joué dans le Youth Jazz Orchestra de l'île de Wight, et Tim Parkin des Bees était notre première trompette !

02. Quel est la vie d'un enfant ou d'un adolescent dans l'île de Wight ?
L'île est un endroit merveilleux pour grandir. J'aime à penser que l'enfance y dure plus longtemps que dans une ville. Je faisais de la musique avec mes amis et l'été j'allais à la plage, puis j'ai déménagé à 18 ans. A 19 ans je vivais à Londres où je suivais mes études de musique, mais je jouais déjà dans de gros concerts londoniens et je faisais aussi le DJ. Je suis toujours revenu dans l'île pour fuir le tourbillon de la capitale. Je pense que plus je vieillirai et plus j'apprécierai la tranquillité et l'espace qu'offre cet endroit.

03. Comment as-tu commencé la musique ? quels étaient tes héros ?
Je me suis ouvert l'œil en tombant d'un piano à l'âge de trois ans. Je frappais sur le piano à une fête dans la maison de ma tante et de mon oncle, j'ai perdu l'équilibre, suis tombé du tabouret qui est retombé sur moi. J'ai eu la chance de ne pas perdre mon œil. Je pense que ma relation d'amour-haine avec le piano remonte à cette époque ! Quand j'ai eu dix ans j'ai demandé un piano à mes parents, alors mon père à racheté un vieux piano droit à mon oncle (pas le même que celui de l'accident) afin que je puisse avoir mon propre piano. Je me souviens que je jouais la sonate au clair de lune tout le temps. Peu de temps après, mon prof de piano m'a donné un blues tout simple à travailler, à partir de là j'ai compris comment tout cela fonctionnait et j'ai pu commencer à improviser et à composer mes propres morceaux, alors j'ai abandonné l'étude du piano classique. Quelques années plus tard Jeff Clyne et Trevor Tomkins sont venus dans mon école pour un atelier jazz (à la suite de cela j'ai rejoint le Youth Jazz Orchestra du comté de l'Île de Wight), et Jeff m'a envoyé des cassettes de différents pianistes de jazz. A Noël j'ai eu une encyclopédie du jazz et j'y ai lu que Jeff avait enregistré un album fameux avec le pianiste Gordon Beck, 'Experiments with Pop'. J'ai envoyé une lettre à Jeff Clyne pour lui demander si il pouvait m'envoyer ce disque et j'ai reçu les albums 'experiments' et 'gyroscope' sur cassette. Je suis tombé amoureux du jeu de Gordon, si bien que je n'ai jamais cessé d'écouter cette cassette jusqu'à ce qu'elle soit fichue. Il est - et de loin - ma principale influence et le héros de mon enfance ; je possède à peu près tout ce qu'il a publié. J'ai demandé son numéro à Jeff, je l'ai appelé puis je suis allé le voir et il m'a beaucoup appris. Malheureusement Jeff est mort il y a deux ans, Gordon est désormais malade et il ne se souvient plus de moi.

04. Dark Is the Sun set ton premier disque, mais avant cela tu as été un sideman très actif.
Je suis musicien professionnel depuis pas mal d'années, j'ai tourné et enregistré pour de nombreux artistes, les meilleurs moments comprennent une séance d'enregistrement avec Questlove et une tournée avec Wendy James en Europe et en Scandinavie.

05. Sur le disque, tu joues de nombreux claviers assez différents. Quel est ton préféré ?
Je n'ai pas vraiment de claviers préférés. J'aime les grands pianos, les pianos droits honky tonk, les Hammonds, les Elkas, les Hohners, tous les claviers qui sont longs et quine sont pas des claviers contemporains avec des sons préenregistrés. J'aime les instruments avec du caractère, comme pour les voitures : je les aime anciennes. En musique comme en voitures, je ne suis pas du tout fan d'équipement digital !

06. Plusieurs musiciens de ton disque sont suédois.
Oui, c'est parce que j'ai enregistré une bonne partie du disque à Gothenburg, dans le studio Kungalv de Mattias Glava en Suède. J'ai rencontré Mattias en 2001, quand j'enregistrais pour Universal Scandinavia. Mattias possède un des meilleurs studios analogiques du monde, sa table de mixage était celle de Donald Fagen. Le magnéto qu'on a utilisé appartenait à Paul Butler sur lequel il a enregistré le premier album des Bees !

07. Je sais que tu apprécies les livres de science-fiction. 'Dark is The Sun' est un de ces romans.
J'aime beaucoup Philip Jose farmer, c'est l'un de mes écrivains préférés, 'Dark Is The Sun' est un grand livre et je ne puis que recommander cette lecture. Je voulais faire la BO de ce livre. J'aimerais beaucoup pouvoir en faire un film d'animation comme 'Le Planète Sauvage' ou 'Gandahar' (je suis aussi un grand fan de René jaloux).

08. Comment imagines-tu ton prochain album ?
J'ai du mal à imaginer l'album entièrement fini, mais j'ai un plan grossier de ce que je veux en termes de production, de son et d'instrumentation. Le processus créatif chez moi est plutôt anarchique. Parfois je vais en studio avec une combo travaillée depuis des mois et qui ne fonctionne tout simplement pas, d'autres fois j'arrive avec une vague idée, j'improvise et soudain ça marche. Le morceau 'Uncle Bessie' par exemple est vraiment né en studio, en 5 minutes, enregistré dès la première prise.

09. Il y a une chanteuse française mystérieuse que tu souhaiterais inviter sur ce prochain album.
Oui, je suis totalement amoureux d'elle ! Elle chantait sur le disque 'Samba Miaou' du Full Moon Ensemble. Malheureusement, je n'arrive pas à trouver la moindre information sur elle, elle est seulement mentionnée sous le nom de Sarah dans les notes de pochette. Si seulement je pouvais trouver une machine à remonter le temps et me téléporter en 1969, je lui ferais ma demande en mariage. La voix de Sarah me donne la chair de poule à chaque fois que j'écoute ce disque. J'ai aussi demandé à John Klemmer de jouer sur l'album.

10. Parle-moi de cette collaboration avec The Heliocentrics.
Rien n'est confirmé pour le moment, mais je compte sur Malcolm (NDR : Malcolm Catto, batteur) et Jake (NDR : Jake Ferguson, basse) pour mon prochain disque. Je leur ai parlé, et ça s'annonce plutôt bien. J'espère aussi avoir Paul Butler sur quelques morceaux, de même que Matt Halsall.

11. Tu as publié 'Gigolo', un livre qui a fait pas mal de bruit en Angleterre. As-tu aussi pour ambition d'être un écrivain ?
J'ai beaucoup écrit, j'avais ainsi une rubrique régulière dans un magazine féminin britannique. L'idée du livre est parti de là, ma rédactrice en chef m'a proposé de publier ce bouquin, alors on l'a fait ensemble.

12. Comment les musiciens et le monde de la musique ont-ils réagi ?
Les réactions furent vraiment mitigées ; beaucoup de gens voyaient le côté humoristique de l'histoire, d'autres ont eu une réaction de rejet violente. Pour être franc, tout ceux qui me connaissent vraiment savent que toute cette histoire de bouquin, et la publicité que j'en ai faite, n'était qu'une plaisanterie. Je devais jouer un rôle, voilà tout. Cela remonte à quelques années désormais et j'en ai un peu marre de devoir expliquer cela aux gens, surtout quand je souhaiterais qu'on parle surtout de moi pour ma musique.

13. Dans combien de langues le livre est-il traduit ?
Il est disponible en anglais, en allemand, en polonais, en espagnol, en tchèque et en hongrois. Je suis sûr qu'on peut trouver quelques exemplaires bon marché sur ebay pour ceux qui sont intéressés.

14. Dernière question. Tu fais aussi le DJ. Est-ce que tu as une belle collection de vinyles ?
Je possède plus de 1000 LP et quelques centaines de 7''s. Je collectionne les vinyles depuis que j'ai 11 ans. J'ai commencé à emprunter des disques dans la collection de mes parents, puis je me suis mis à traquer ce que j'aimais chez les disquaires d'occasion de l'île de Wight. Quand je suis parti à Londres où j'ai commencé à faire le DJ en 1997, il n'était pas acceptable de passer autre chose que les albums originaux ! j'ai donc dû agrandir considérablement ma collection. Aujourd'hui je sors vraiment rarement mes vinyles, j'utilise mon portable au moins une ou deux fois par semaine à Londres, et puis pour quelques autres performances à l'étranger. J'ai joué dans des clubs à New York, Miami et L.A., je joue régulièrement en Suède, et j'ai fait pas mal le DJ à Paris, surtout au Baron et au Prescription Cocktail Club.

Interview réalisée par Nicolas Ragonneau pour Paris DJs en septembre 2011.
Photos par Alex Lambrecht

Links :
The Greg Foat Group : discogs | facebook | parisdjs
Jazzman Records : official | discogs | facebook | myspace | parisdjs | soundcloud | twitter | wikipedia | youtube

Interview de AM & Shawn Lee (version française)

Nicolas Ragonneau — Thu, 15 Sep 2011 01:43:00 +0200

AM & Shawn Lee - L'Interview-Confession
(Interview par Nicolas Ragonneau, pour Paris DJs - été 2011)

Shawn Lee, le maître incontesté des sons vintage, l'un des musiciens les plus prolixes qui soient (jusqu'à 4 albums par an!) est de retour, et il ne revient pas seul. Associé à AM, guitariste et songwriter de grand talent élevé à la Nouvelle-Orléans mais résidant à Los Angeles (voir l'album Future Sons and Daughters, AM Sounds, 2010), il publie Celestial Electric (ESL Music). Excellent de bout de bout, psychédélique, pop, funky et addictif, Celestial Electric est une magnifique réussite. La genèse du disque remonte à la rencontre des deux musiciens à Los Angeles. Shawn Lee, qui vit à Londres, se souvient: "pendant ce voyage à LA, on a beaucoup écouté de musique ensemble et on s'est trouvé une passion commune pour les BO et l'illustration sonore française et italienne, mais aussi pour les perles du label Finders Keepers". Celestial Electric a été conçu par Shawn Lee à Londres et AM à Los Angeles, par échanges transcontinentaux de fichiers successifs, jusqu'à ce que les deux compères soient pleinement satisfaits du résultat. En pleine préparation de leur tournée américaine, ils nous ont accordé une interview à la manière des entretiens-confessions à l'anglaise ou du Questionnaire de Proust, tout en concoctant un mix exclusif pour Paris DJs, AM & Shawn Lee's Paris DJs Betamix.

Comment êtes-vous rentré en contact ?
AM: J'ai écrit un message à Shawn après avoir entendu un morceau de l'album "Music and Rhythm" sur une radio de Los Angeles.
Shawn Lee: Au début, AM m'a contacté sur Myspace. On est devenus cyber amis, puis on s'est rencontré en personne à Londres quand il est venu jouer ici. On est ensuite restés en contact et nous avons continué à nous connaître musicalement et personnellement. On se voyait à Londres et à Los Angeles. Finalement il a rejoint le Ping Pong Orchestra avec son groupe sur scène, à LA comme à Londres. La boucle était bouclée! Le décor était planté et prêt pour Celestial Electric!

Qui a trouvé le titre 'Celestial Electric'?
SL: C'est AM qui l'a trouvé, in extremis!
AM: Cela faisait un petit moment qu'on ruminait ça, Shawn et moi, et on n'arrivait pas à trouver quelque chose qui sonne bien. a href="http://www.parisdjs.com/index.php/tag/Andy%20Votel">Andy Votel était en train de finir notre pochette, ils nous a appelés pour nous dire "les gars, j'ai besoin impérativement du titre aujourd'hui". On étaient désespérés. J'ai déterré une liste que j'avais établie et j'ai envoyé quelque chose comme 5 titres à Shawn et Andy. "'Celestial Electric' est le bon titre", a dit Andy. Et voilà. Honnêtement, j'avais oublié ce titre mais quand Andy l'a choisi, tout d'un coup ça m'a semblé parfait. On avait atteint ce qu'on cherchait, quelque chose qui joue sur la science-fiction des années 70, l'espace, tout ce truc space disco.

De quels instruments jouez-vous sur l'album?
AM: Guitares acoustiques, guitare électrique, basse, ukulélé, banjo, synthés… on a listé tout ça en détails dans les crédits de l'album, façon années 70. Quand j'étais plus jeune, je me souviens d'avoir regardé un vieux disque de Rush et d'avoir lu "Geddy Lee – Taurus Pedals". Je me disais "mais qu'est-ce que c'est qu'une PEDALE TAURUS!" un instrument magique venu d'une contrée inconnue! je voulais ainsi susciter ce sentiment identique chez quiconque voulait savoir comment on arrivait à créer certains sons.
SL: Batterie, percussions, basse, guitare, claviers, glockenspiel, vibraphone, marimba, xylophone, etc.

Est-ce que vous avez une idée du nombre de fichiers que vous vous êtes échangés entre LA et Londres pour l'enregistrement du disque?
AM: Aucune idée. Les morceaux ne sont pas si denses. Je pense que nous savions quand nous arrêter.
Shawn Lee: Non, j'ai arrêté de compter après 2!!!

Nommez trois influences majeures pour ce disque.
AM: Toute la musique que j'écoute, les beats géniaux de Shawn Lee, les synthés cheap.
SL: Le label Finders Keepers, ma Tascam 4 pistes à cassettes, AM.

Quel sera le groupe en tournée?
Shawn Lee: AM au chant, à la guitare, à la basse. On a Brett Bixby aux claviers et Pete McNeal à la batterie. C'est un putain de quatuor!

Quel est ton album préféré de Shawn Lee?
AM: C'est difficile à dire. Peut-être "Music and Rhythm", à égalité avec "Voices and Choices".
Shawn Lee: "Future Sons & Daughters". Il y a de très bonnes chansons là-dedans.
Shawn, cite une qualité que tu envies à AM.
Shawn Lee: Son talent de songwriter!

AM, cite une qualité que tu envies à Shawn Lee.
AM: Il est très rare que quelqu'un réussisse à capturer un style musical de façon si parfaite. Shawn est passé maître dans l'art de recréer le son des musiques de films, de l'illustration sonore, du funk et de la soul des années 60 et 70. La première fois que j'ai entendu un de ses titres à la radio, j'ai cru que c'était une perle oubliée, sortie tout droit d'une bande-son qui me serait restée inédite. Il a une compréhension de ce vocabulaire à la fois comme musicien et comme producteur. Et en même temps, il apporte quelque chose de frais et de nouveau à ce son. Il n'y a personne à qui j'ai fait écouter un titre de Shawn qui ne commence à se dandiner. Cela devient encore plus évident selon moi quand j'écoute les autres qui essaient de recréer ce genre, et qui n'y arrivent pas. Où la mélodie n'est pas bonne, ou il y a un problème de tons. Ce n'est jamais le cas avec Shawn. Et le salopard travaille à la vitesse de la lumière! Il m'a déjà envoyé 10 beats mortels pour notre prochain album!

Shawn, trois adjectifs pour définir le style musical d'AM?
SL: Goût, style et vibe.
AM, trois adjectifs pour définir le style musical de Shawn Lee?
Funky, poisseux, et de bon goût.

Enumérez tous les instruments dont vous savez jouer.
AM: Des guitares (nylon, steel, électrique), de la basse, des synthés… et je me débrouille au banjo, à la mandoline ou au ukulélé.
SL: Batterie, percussions, guitares, basse, claviers, harmonica, melodica, marimba, vibraphones, xylophone, glockenspiel, divers instruments à cordes pincées comme le banjo,la mandoline, les cithares. Bon Dieu, j'aime bien tout essayer!

Est-ce qu'il y a un genre musical que vous ne pouvez pas supporter?
AM: La country contemporaine, c'est quoi ce truc?
SL: Tout ce qui comporte des voix lourdement déformées à l'Auto-Tune. C'est à chier!

Shawn, cite-moi une chose importante que tu as apprise en travaillant avec Jeff Buckley.
SL: Sois en permanence en mouvement pour trouver ta place et ton son.

AM, cite-moi une chose importante que tu as apprise en tournant avec Caetano Veloso.
AM: Sois toujours gracieux.

Vos groupes ou artistes préférés de la Nouvelle-Orléans?
AM: Les Meters.
SL: Allen Toussaint & les Meters, Earl Palmer.

Vos trois albums préférés sur le label Finders Keepers.
AM: Selda, Ersen, Jean-Claude Vannier - L'Enfant Assassin Des Mouches.
SL: Selda, Ersen, Sitting Target Soundtrack. Incroyable label, Andy Votel est une vraie source d'inspiration.

Vos disques préférés en BOF et illustration sonore françaises?
AM: Spatial – Sauveur Mallia, Luke Vibert - Nuggets: Luke Vibert's Selection, AIR – Love 2
SL: Illustration sonore: Nino Nardini & Roger Roger, "Jungle Obsession". BOF: La Planète Sauvage by Alain Goraguer

Vos disques préférés en BOF et illustration sonore italiennes?
AM: Piero Umiliani – Il Corpo, Giani Safred – Futuribile: The Life To Come, Franco Micalizzi - Albert e L' Uomo Nero.
SL: Illustration sonore: Stefano Torossi, "Feelings". BOF: Vergogna Schifosi ou Le Clan des Siciliens, tous deux d'Ennio Morricone.

Vos metteurs en scène préférés?
AM: Stanley Kubrick.
SL: Quentin Tarantino. Un maître contemporain…
Les films que vous emporteriez sur une île déserte?
AM: Manhattan, Annie Hall, 2001, l'Odyssée de l'Espace, Down By Law, Les Copains d'Eddie Coyle, La Nuit du Chasseur, Easy Rider, Cinq Pièces faciles, La dernière corvée, Superman (la version des années 70), Le Verdict, Ce Plaisir qu'on dit charnel, Dérapage contrôlé, L'Homme des Hautes Plaines, Un Frisson dans la nuit, Sunset Boulevard… autant que pourrait en contenir mon sac de voyage!
SL: La Planète des Singes, Pulp Fiction, Rollerball, Usual Suspects, Fantastic Mr. Fox, Jackie Brown, Spinal tap, New York 1997.

Acteur et actrice préféré(e)?
AM: Très difficile d'en choisir un ou une seule mais bon: Jack Nicholson et Shelley Winters.
SL: Jeff Bridges et Kate Winslet, elle est vachement bien!

Peintre préféré?
AM: Je dirais Matisse, mais il y a tant de maîtres… mais je reconnais que j'ai du mal à "lire" l'art. Je me sens intimidé quand je suis dans une galerie d'art ou un musée.
SL: Salvador Dali, restons dans le surréalisme!

Ecrivain ou poète préféré?
AM: Woody Allen.
SL: Pierre Boulle. Il a écrit à la fois La Planète des Singes et le Pont de la Rivière Kwai.

Classique préféré?
AM: Demande à la Poussière de John Fante
SL: Dracula de Bram Stoker

Compositeur préféré?
AM: Chopin, mais encore une fois, c'est très difficile d'en choisr un seul. J'aime beaucoup Ravel aussi.
SL: Ravel. Le Boléro est un sacré chef-d'œuvre…

Photographe préféré?
AM: Bob Gruen.
SL: Quiconque photographiait pour le magazine Playboy dans les années 70! David Bailey, c'était top.

Philosophe préféré?
AM: Schopenhauer.
SL: Pour être honnête, la philosophie m'ennuie, et les gens qui citent Platon en s'écoutant parler. Je suis trop occupé à vivre pour parler de théories sur la façon dont on doit vivre sa vie, tu vois ce que je veux dire?

Plat préféré?
SL: Je préfère les bols. Au moins la nourriture ne tombe pas trop sur les côtés.
AM: Spaghetti Bolognese.
Votre mot d'esprit préféré?
SL: "Ray Charles l'a dit, je l'ai cru – donc c'est réglé!"
AM: "Si tu ne sais rien faire, enseigne. Si tu ne sais pas enseigner, enseigne la gymnastique" (Woody Allen).

Vos héros préférés dans la vraie vie?
SL: Mes enfants Mela et Seela. Ils sont géniaux.
AM: Vraiment, tous ceux qui ont réussi à surmonter des difficultés insurmontables. La vie est déjà assez dure quand tout va bien.

Quel métier aimeriez-vous exercer dans une autre vie?
SL: celui de riche musicien!!!
AM: Peut-être un métier d'artisan ou d'ouvrier qualifié. La seule chose que je sais faire n'est pas du tout concrète. Ce serait chouette de savoir bâtir une maison.

Dans quel animal aimeriez-vous vous réincarner?
SL: un grand requin blanc. Un super prédateur, mec!
AM: Une chouette. Une mystérieuse créature de la nuit!
Une chose très importante que vous devez faire avant de mourir.
SL: Vivre!
AM: Il y avait une chose très importante que je devais faire avant de mourir, et je l'ai faite. Mais je ne peux pas en parler ici.

Rédigez votre épitaphe.
SL: Here lies Shawn Lee – father, husband, funkateer… RIP
(Ci-gît Shawn Lee – père, mari, funkateer).
AM: n'est-ce pas aux autres de faire ce job? Vous ne voulez quand même pas savoir ce que je pense de moi-même.

Interview réalisée par Nicolas Ragonneau fin août 2011.

Téléchargez le AM & Shawn Lee - Paris DJs Betamix :

Links :
AM and Shawn Lee : official | facebook | myspace
AM : official | discogs | facebook | myspace | soundcloud | youtube
Shawn Lee : official | discogs | facebook | myspace | parisdjs | twitter | youtube
ESL Music : official | facebook | myspace | soundcloud | parisdjs | twitter | youtube

Interview de Billy Martin (version française)

Nicolas Ragonneau — Sat, 10 Sep 2011 01:48:00 +0200

Medeski, Martin & Wood - 20 ans d'alchimie et d'amitié
(Interview par Nicolas Ragonneau, pour Paris DJs - été 2011)

Le trio Medeski Martin & Wood célèbre ses vingt ans de carrière par une série de concerts (dont une date exceptionnelle à Jazz à la Villette le 11 septembre) la sortie mensuelle de singles et la sortie cet automne d'un double live avec John Scofield. Billy Martin se souvient des débuts du groupe et évoque ses futurs projets.

1. MMW célèbre ses vingt ans de carrière cette année. Te souviens-tu de vos débuts?
Tout a commencé dans mon loft de Brooklyn en 1991. John et Chris partageaient un appartement dans East Village sur l'Avenue A, je vivais à DUMBO (Brooklyn). On s'est rencontrés, on a commencé à jour ensemble, et ce qui est sorti de la fut notre premier morceau, "Uncle Chubb". Puis nous avons donné un concert au Village Gate à NYC, et tout ce qui s'ensuit... Il y a eu une amitié et une alchimie immédiate entre nous. Et cette amitié et alchimie demeurent très fortes aujourd'hui.

2. Vous êtes désormais un vieux "ménage à trois". Comment expliques-tu cette longévité?
Ce que nous faisons de mieux, c'est communiquer entre nous, ce qui permet de rendre nos personnalités musicales très complémentaires. Ce qui nous pousse à continuer, c'est notre acharnement à développer ensemble notre vocabulaire musical.

3. Y avait-il une philosophie commune au commencement de l'aventure MMW?
Non, pas de philosophie ni de concept, sauf le fait que nous ne voulions plus être sidemen dans d'autres groupes. Nous voulions notre propre groupe, sans aucun leader. Un collectif. Medeski et moi-même étions dans les Lounge Lizards. Ce fut difficile pour moi de quitter ce groupe, mais je savais que MMW était ce que je désirais le plus. Les Lounge Lizards m'ont manqué, mais ce fut le bon choix.

4. Vous célébrez cet anniversaire en publiant deux nouveaux titres tous les mois jusqu'à la fin de l'année.
On sort 20 singles cette année. C'est notre vingtième anniversaire, nous voulons que la musique soit variée. À la fin de l'année, on aura un disque complet. Ce disque ne présentera pas de véritable construction, c'est juste une manière inédite de sortir de nouveaux morceaux.

Une très bonne vidéo d'un des titres de "20"

5. Que penses-tu du marché de la musique et de son évolution ces vingt dernières années?
Le marché a abandonné ses attributions, autant que je puisse constater. Les artistes montrent la voie en faisant eux-mêmes la promotion, le marketing et les ventes. C'est comme ça que nous avons commencé notre groupe, en assurant la promotion nous-mêmes, en développant un réseau, en jouant live et en tournant autant que possible...

6. Comment vois-tu l'avenir de MMW?
L'avenir s'annonce radieux, mais on ne tourne pas autant que par le passé. Nous allons continuer à créer de la musique en essayant d'améliorer notre qualité de vie en tournée et en dehors.

7. John Medeski est un grand amateur de vins. Quelle est la meilleure bouteille que tu aies bue en sa compagnie?
Guigal La Mouline 1982 — John et moi avons fait un beau repas de truffe avec ce vin à Paris. Il y a aussi le condrieu et la côte-rôtie d'Yves Gangloff. C'est un fan de musique ; nous avons goûté ses vins en sa compagnie et ce fut une grande expérience.

8. L'improvisation est au cœur de votre musique. Est-ce que tu vois l'impro comme un art de l'aléatoire, de l'accident?
L'improvisation n'est pas aléatoire. Nous créons spontanément, dans l'instant. On ne lance pas une pièce en l'air en attendant qu'elle nous dise ce que nous devons jouer. Nous sommes très attentifs à ce que chaque moment demande. Cela vient du cœur. Mais comprend-moi bien, j'aime les "chance operations" (John Cage!) et c'est sans doute assez proche de ce qui arrive en dehors de notre contrôle.

9. Parle-moi de The Wicked Knee.
Wicked Knee est mon nouveau groupe. Batterie, percussions et cuivres (trompette, trombone et tuba). Il réunit pour la première fois quelques-unes des personnalités les plus intéressantes et les plus virtuoses pour chaque instrument. Je pense que ce groupe va marquer la scène internationale dans les années qui viennent. J'aime le fait que, d'une manière générale, nous puissions surtout jouer en acoustique. C'est une formation unique qui nous mène naturellement à la Nouvelle-Orléans, à la soul, au funk, à l'Afrique et à l'avant-garde. Il y a des morceaux gratuits à télécharger sur notre site et sur notre page facebook.

10. Tu es également peintre sous le nom de Illy B. Y a-t-il des points communs entre la peinture et les percussions?
Oui, j'aime l'improvisation dans les deux domaines. Je ne sais jamais exactement à l'avance quel sera le résultat. Deux processus magiques et deux façons de communiquer sans les mots.

11. Est-ce que tu as le temps de voir des expositions lorsque tu es en tournée?
Parfois. Les tournées, c'est difficile. Tu n'as pas trop de temps pour faire autre chose à côté. Mais dès que j'ai le temps et l'énergie, tu me trouveras au musée, au restaurant ou en train de marcher dans la ville.

12. Tu as déclaré que la nature comptait beaucoup dans ton univers.
Jacques Cousteau était mon dieu dans les années 70. Je voulais sillonner les océans comme lui, plonger et découvrir des choses. Mais je pense que c'est plutôt la diversité dans la nature qui m'attire, et qui me pousse à faire de la musique et à peindre.

13. Tu partages avec John Lurie le goût pour l'art, la musique et la pêche. Est-il possible que vous jouiez ensemble de nouveau à l'avenir?
On en parle parfois. Il m'a dit que la meilleure chose qu'il ait faite était notre trio, The John Lurie National Orchestra. Je ne suis pas sûr qu'avec sa santé cela soit possible. Mais il me manque et j'aimais la relation que nous avions.

Les albums préférés de Billy Martin dans la discographie de MMW :

Shackman : nos sessions classiques "hawaiian shack"
plus d'infos sur djouls.com

Combustication : le début des années Blue Note avec DJ Olive et DJ Logic
plus d'infos sur djouls.com

The Dropper : notre disque punk-rock "fuck you"

Let's Go Everywhere : pour tous les enfants
plus d'infos sur parisdjs.com

Zaebos : le premier disque où nous jouons une musique écrite par quelqu'un d'autre, mais que nous avons fait nôtre.
plus d'infos sur parisdjs.com

Quelques liens :
mmw.net | billymartin.net/gallery/illybgallery.htm | wickedknee.tumblr.com | soundcloud.com/wickedknee | amuletrecords.com

Interview de Steven Bernstein (version française)

Nicolas Ragonneau — Tue, 30 Aug 2011 20:25:00 +0200

Entretien avec Steven Bernstein / The Millenial Territory Orchestra
(Interview par Nicolas Ragonneau, pour Paris DJs - été 2011)

Le trompettiste Steven Bernstein se présente souvent comme "one of the hardest working men in showbusiness". Au delà de l'expression ironique et de l'allusion à James Brown, rien n'est plus vrai. Steven a créé un véritable classique moderne avec sa série de 'Diaspora' (Diaspora Soul, Diaspora Blues, Diaspora Suite et Diaspora Hollywood). Il dirige Sex Mob et le Millennial Territory Orchestra (MTO). Mais il ne s'agit que de la partie émergée de l'iceberg, et l'iceberg est gros comme une planète. Il a arrangé, composé ou joué pour/avec une invraisemblable myriade de musicians et de chanteurs, dans tous les genres possibles, de Carla Bley à Elton John, de Levon Helm à John Lurie, de Medeski, Martin & Wood à Shivaree, de Sting à Hifiklub, d'Antony and The Johnsons à Lee Scratch Perry...

Avec le Millennial Territory Orchestra, un ensemble de neuf musiciens, il recrée l'esprit des big bands régionaux qui sillonnaient l'Amérique dans les années 20, se produisant dans les bars et les bals obscurs et qui ne furent peu ou pas enregistrés sur disque. Le MTO sera à Paris pour un concert exceptionnel le 11 septembre (au Festival Jazz à la Villette) en hommage à Sly and The Family Stone. Un live suivi de près par la sortie de l'album MTO plays Sly sur le label Royal Potato Family.

01. Tu es dans des centaines de projets depuis plus de vingt ans, et tu ne parais pas près de lever le pied. Où trouves-tu l'énergie pour mener tout cela de front?
Voilà ce que je fais. Je suis comme tous ceux qui bossent 5 jours dans la semaine, sauf que je travaille 7 jours dans la semaine... je pratique mes cuivres quotidiennement, je compose la journée (et la nuit aussi). C'est plutôt doux par rapport à un boulot classique. Il est important de bien se reposer, de manger correctement, et de s'assurer que ton taux de caféine est correct. Le café, c'est seulement pour le matin... le reste de la journée, expresso! Et tu sais, je travaille avec mes amis, alors mon environnement professionnel ne présente quasiment aucun stress...

02. Tu sors "MTO plays Sly" (Royal Potato Family). Dans le passé, tu avais repris Sly avec Sex Mob. Pourquoi choisir alors la formule big band pour ce disque?
Tout cela a été conçu comme un projet du Millennial Territory Orchestra. Le producteur qui m'a demandé de faire le concert d'origine (Jay Weismann du festival River to River) est un grand fan du MTO, il a pensé que notre version de "Darling Nikki" (un titre de Prince repris par le MTO sur leur premier album, NDR) ferait un bon point de départ, alors je suis parti de là. Le tout premier concert faisait partie de la célébration du 40ème anniversaire de Woodstock (à ce sujet, j'ai aussi joué avec Levon Helm pour l'occasion).

03. Pourquoi la musique de Sly est si importante pour toi?
Je devrais t'envoyer les textes publiés dans le CD... ils expliquent la longue histoire que j'ai avec la musique de Sly, et l'amour que je lui porte. En version courte: j'ai grandi à Berkeley dans les années 60 et cette musique était toujours présente... j'ai acheté les "Greatest Hits" de Sly quand j'avais 17 ans, je jouais déjà du jazz à l'époque, et cette musique m'a ouvert les oreilles en grand. Puis, en 1979, je suis allé à New York dans le Lower East Side ... la scène "punk funk" du début des années 80 était florissante. J'ai acheté "Fresh" et "There's a Riot Going On", ces disques prenaient tout leur sens dans cet environnement. Sly n'a cessé de m'inspirer depuis, en permanence. Le Family Stone combinait parfaitement l'individualité et la précision. A sept, ils sonnaient d'une façon énorme. Sur le plan de l'orchestration, sur le plan social et musical, Sly était en avance sur tout le monde. Sa musique est un parfait mélange de mystère et de science.

04. Quel est ton album préféré?
Impossible de te répondre, chaque jour je te ferais une réponse différente... je les aime TOUS!

05. Sly sort son premier disque depuis des années, quelques semaines seulement avant le tien. As-tu écouté ce disque et si tel est le cas, qu'en penses-tu?
Je ne l'ai pas encore écouté. Intéressant de voir qu'il contient pas mal de chansons qui sont sur "MTO plays Sly". Je sais qu'il a achevé d'autres CD qui ne sont jamais sortis.

06. Parle-moi un peu de la couleur musicale de "MTO plays Sly" et des instruments que tu as choisis pour ce disque. Par exemple, le banjo et le violon...
Eh bien, l'idée c'était d'associer le MTO, qui s'inspire des premiers orchestres régionaux et des orchestres de la Nouvelle-Orléans (cuivres, violons, clarinette, 2 saxophones) avec le Hammond B3... une sort de version rétro-futuriste de Count Basie avec Jimmy McGriff, maiq qui utilise Bernie Worrell et sa magie incomparable. Le banjo était une idée de dernière minute, j'ai juste demandé au guitariste de l'apporter. Je venais de jouer dans pas mal de festivals d'americana avec le Levon Helm Band, ce son était dans ma tête, j'ai décidé de voir ce qui se passerait. Ce banjo donne certains de mes moments préférés sur le disque.

07. Comment as-tu sélectionné les chanteuses et les chanteurs?
C'est venu assez naturellement... Dean et Sandra étaient mon premier choix pour les chanteurs principaux. Ce sont des amis et ils ont une relation forte à Sly et aux racines de Sly, à savoir la musique d'église. J'ai pensé qu'Antony serait parfait pour Family Affair et Martha pour Que Sera. J'avais tout cela en tête dès la première réunion au sujet du concert. Shilpa Ray m'a été présentée pat Jay Weismann. Elle apporte vraiment quelque chose de différent au disque.

08. Inviter Antony Hegarty est une idée brillante. Sa version de Family Affair est géniale.
Je suis d'accord... est-ce que tu as entendu les arrangements que j'ai faits pour lui pour "If It Be Your Will" sur l'hommage à Leonard Cohen [I'm Your Man, NDR]? Nous nous admirons mutuellement. J'ai envie de faire encore beaucoup de choses avec Antony, c'est un artiste incroyable.

09. Tu as joué dans l'orchestre de Walter Thompson. Est-ce que tu utilises le soundpainting pour diriger le MTO?
Tu peux l'appeler soundpainting, direction, peu importe, mais j'ai développé ma propre façon de diriger l'orchestre qui réunit tous ces éléments.

10. Un mot sur ton groupe le plus récent, The Wicked Knee, avec Billy Martin.
Ce n'est pas mon groupe, mais j'ai aidé Billy à faire les arrangements, nous étions tous excités au sujet de ce projet. C'est un vrai brass band de poche moderne. Nous avons joué seulement quelques concerts, la musique a été incroyable et les gens dansaient!

11. Un de mes disques préférés dans ta discographie est "Baby Loves Jazz". Est-ce que cet album a été un succès?
Pas autant qu'il aurait dû. On l'a fait en indépendant, Verve l'a sorti mais ne savait pas trop comment travailler le marché de la Jeunesse. Je crois qu'un bon disque pour les enfants avec Sharon Jones et John Medeski devrait toujours se vendre!!!

12. Avec Sex Mob, tu as repris la Macarena et bien d'autres tubes du répertoire populaire. Qui sera le prochain sur ta liste? Lady Gaga ou Katy Perry? ou peut-être Miley Cyrus?
On a fait un Lady Gaga récemment.

13. Que peut-on attendre de l'imprévisible Steven Bernstein dans un futur proche?
Je voudrais enregistrer mon nouveau projet "MTO plays the Early Blues" avec Henry Butler, Dean et Sandra (WC Handy, Jelly Roll, Bessie Smith, Fats Waller et Count Basie). Je voudrais aussi faire un disque avec seulement des guitares, et ce serait bien de faire un disque d'instrumentaux avec Levon Helm. Nous avons enregistré le Levon Helm Band à Woodstock avec Mavis Staples (j'ai réalisé 4 arrangements de cuivres). Je voudrais toujours faire "Sex Mob plays Nino Rota", j'ai juste besoin de temps (et d'argent). Ars Nova à Philadelphie parle de sortir un disque réunissant un chouette set de Spanish Fly qui date de plusieurs années. J'ai aussi fait un concert "1971" avec Sex Mob, ce serait chouette de faire une série comme ça, consacrée à la musique d'une seule année. Il y a eu aussi de belles collaborations en Italie (Brass Bang avec Paulo Fresu, Gianluca Petrella et Marcus Rojas, en quartet avec Ricardo Fassi et Bitches Brew avec Funky Football). Enfin, on va faire un concert spécial de Sex Mob pour mon 50ème anniversaire.

photo noir & blanc par ziga Kortinik, photos couleur par Greg Aiello

Links :
Exclusive mix part 1 | part 2
Interview : in English or in French
New album out sept 27th : MTO plays Sly
Live in Paris sept 11th : Sly Stone tribute show
Steven Bernstein's Millenial Territory Orchestra : official | flickr | myspace | parisdjs | wikipedia | youtube

Interview de Mike Rivard / Club d'Elf (version française)

Nicolas Ragonneau — Sun, 21 Aug 2011 08:16:00 +0200

Entretien avec Mike Rivard

01. Est-ce qu'Electric Moroccoland est ta déclaration d'amour au sintir et à l'oud?
En effet, il s'agit d'une lettre d'amour musicale, avec la présence du sintir et de l'oud. Comme ces instruments sont typiques de la musique d'Afrique du Nord, on les utilise en priorité pour rendre hommage aux différents styles que nous aimons, comme le gnawa, la musique berbère et plus particulièrement la musique du grand rais Hadj Belaid («Ambib») & Nass El Ghiwane («Ghir Khoudouni»).

02. Est-ce que tu vas jouer au Maroc avec Club d'Elf?
Incha'Allah! On espère pouvoir jouer au Festival de musique Gnawa d'Essaouira en juin prochain, et tourner au Maroc dans les régions avoinsinantes. On a beaucoup joué avec Hassan Hakmoun récemment, j'aimerais pouvoir aller au Maroc avec lui. Je postule pour une bourse qui me permettrait d'aller là-bas, alors on verra bien!

03. Y aura-t-il une tournée en Europe?
Si nous parvenons à trouver un tourneur assez aventureux, alors nous serions heureux de pouvoir jouer en Europe. Malheureusement, le contexte économique fait qu'il est difficile de parier sur un groupe tel que le nôtre, et sur lequel il est difficile de mettre une étiquette.

04. La pochette du dernier album est très réussie.
Doug Sirois a réalisé la pochette, comme celle du précédent, Now I Understand. Il a un talent fou et il créé de nombreuses illustrations de livres de fantasy. Il comprend vraiment ce qu'est Club d'Elf, et son univers artistique est le parfait complément du nôtre (www.dougsirois.com)

05. Peux-tu m'expliquer l'origine du nom du groupe?
Nous avons un sens de l'humour quelque peu tordu. Si on prononce ce nom d'une certaine façon, cela donne "clubbed elf" (qu'on peut traduire "un elfe en boîte de nuit", en référence aux elfes biomécaniques de Terence MC Kenna, NDR), et c'est une image qui nous a séduits à ce moment-là. En plus, c'est un hommage à Terence McKenna, dont les œuvres ont eu une profonde influence sur moi, ainsi que sur ma musique. Sous l'influence des drogues, il a beaucoup écrit au sujet des "elfes biomécaniques" qu'il rencontrait dans ses expériences psychédéliques. Quand j'en ai parlé à Mark Sandman (le leader de Morphine NDLR), il a trouvé ça bien alors je me suis dit que ça valait le coup de garder ce nom.

06. Y a-t-il un concept derrière ce double album?
On avait pensé sortir deux disques séparément, mais on a décidé que la diversité de notre musique méritait un double album. Cela s'imposait car on a la dimension transe marocaine d'un côté (Electric Moroccoland) et de l'autre, avec So Below, la dimension électro/DJ/psychédélique/dub. Les deux disques ont beaucoup de points de contact sur le plan stylistique, mais généralement on peut s'en tenir à cette séparation. En plus, il faut être un peu cinglé pour sortir un double album de nos jours, et si il y a bien une chose que nous sommes, avec Club d'Elf, c'est cinglés.

07. Est-ce que les morceaux où Mark Sandman joue étaient des démos au départ?
Pas des démos, mais des morceaux que nous avions commencés et que nous avons mis au frigo pendant un long moment avant qu'il ne soit temps de les terminer. Depuis un an, Mark a infusé beaucoup de son énergie dans ma vie, à travers des rêves ou aussi avec le documentaire qui a été fait sur lui. Et au fur et à mesure que je m'investissais dans la maîtrise du sintir, l'étendue de son influence sur moi est devenue évidente. J'ai décidé de compléter les morceaux que nous avions commencé avec lui en 1999 en guise d'hommage, et aussi de faire une version de "Rope On fire", qui est l'une de mes chansons préférés parmi celles qu'il a composées. "Sand" a également été écrite en pensant à lui.

08. Au sujet de Mark Sandman, est-ce que tu as participé à ce documentaire sur lui ("Cure For Pain : The Mark Sandman Story"), qui sort cette année?
Non, on ne m'a pas demandé d'y participer, mais j'ai vu la première à Boston. Je l'ai trouvé plutôt bon. Mark a vécu une existence si pleine et complexe qu'il difficile de saisir cela en une heure et demie. J'ai été content de participer à la campagne Kickstarter, et heureux d'apprendre que le film aurait une bonne distribution. Mark devrait être connu davantage et, vu sa grande influence sur moi, c'est un juste retour des choses si je peux inciter des auditeurs à écouter sa musique grâce à sa présence sur le nouveau disque.

09. Quels sont tes projets dans un futur proche? Tu te lances dans l'apprentissage d'un nouvel instrument?
Je souhaite approfondir mon étude du sintir, et obtenir une subvention pour aller au Maroc et travailler avec certains maîtres sur place. Je suis en train de travailler à une vidéo qui présente ma relation à cet instrument, et le fait que je le relie à des phénomènes qui n'ont rien à voir avec son utilisation d'origine, comme le chamanisme péruvien. J'aimerais bien apprendre à jouer d'un autre instrument marocain, du rebab par exemple. C'est un instrument à une corde dont on joue avec un archet. Je reproduis le son de cet instrument à la contrebasse depuis quelque temps, et ce serait vraiment bien si je pouvais en jouer véritablement.
Je joue avec un groupe nommé Grand Fatilla qui fait du folk venu du monde entier (Bulgarie, Turquie, Brésil, Italie, tangos argentins) et aussi un autre groupe, Natraj, dans lequel se trouve Jerry Leake, le joueur de tabla de Club d'Elf) et j'espère jouer davantage avec eux et aussi avec Club d'Elf.

10. Un mot sur John Medeski. Comment décrirais-tu son style?
John et moi, on s'est rencontrés à la fin des années 80, alors que nous étions tous deux membres de l'Either/Orchestra. Nous sommes devenus amis et on partageait souvent une chambre quand nous tournions ensemble. Notre amour commun pour les films de John Waters et les films d'horreur de zone Z nous a rapproché, mais aussi notre intérêt pour la macrobiotique et la thérapie Hoshino. Au fil des années, nos relations se sont renforcées, plus particulièrement en raison de notre implication dans le chamanisme shipibo. John est sans conteste l'un des musiciens les plus stupéfiants au monde, et dont le son est immédiatement reconnaissable. Sa capacité à canaliser les énergies dans son jeu confine à la sorcellerie, et c'est toujours une expérience extraordinaire de le voir jouer avec nous.

A propos de "Cure For Pain : The Mark Sandman Story" : http://www.gatlingpictures.com
Interview réalisée et traduite fin juin 2011 par Nicolas Ragonneau pour Paris DJs.

Club d'Elf Links :
official | audio archive | bandcamp | facebook | myspace | parisdjs | soundcloud | twitter | vimeo | wordpress | youtube